opera para principiantes

Top 10

2012-02-11T08:40:00.000-08:00

Estava aqui a pensar em qual seria o meu top 10 das óperas, e depois de muito reflectir em frente de uma folha excel cheguei à seguinte conclusão:

1º Macbeth

2º Don Carlo

3º Werther

4º Fanciulla del West

5º Manon

6º Traviata

7º La Boheme

8º Esclarmonde

9º Fausto

10º Maria Stuarda

Do Tannhauser e da visão cristã do mesmo

2012-01-31T11:51:00.000-08:00

Eu nunca tinha reparado mas nestas duas últimas semanas apercebi-me de um curioso facto: Eu e os músicos alemães não nos damos bem. Eu julgava que se tratava apenas de pouca afinidade com a musica de Wagner, mas quando comecei a dar por mim reparei que o mesmo se estendia a outros grandes nomes como Mozart, Brahms, Schubert, Schummann, Hydn, Haendel, Mendelssohn, entre outros. E o mais curioso de tudo é que não preciso de andar muito quilómetros para alem da fronteira alemã para já começar a gostar da musica dos compositores dessas terras vizinhas. Ora vejamos, Dvorak,Janacek, Smetana, Mahler, Liszt ou os franceses de uma forma geral. Isto há coisas levadas da breca!

Pergunto-me porque assim será e não encontro nenhuma justificação para o mesmo e isso até me entristece, dado estar a falar de génios, mas de facto, por muito que me esforce, não me cativam, e contra isso não há muito mais a fazer.

Tudo isto para comentar o Tannhauser a que fui assistir há umas boas duas semanas na Gulbenkian e o Cosi Fan Tutte a que assisti no São Carlos.

Este post será sobre Tannhauser , e sobre ele não me vou focar muito nas prestações vocais de quem cantou porque sobre isso já muito foi dito aqui e aqui, e são opiniões com as quais me identifico. Vou antes comentar a sensação provocada em mim pela primeira obra de Wagner a que assisti ao vivo (O Live From the Met não conta como ao vivo). E com isto, tenho desde já de acrescentar que Wagner me conquista aos poucos.

Um tema recorrente em Wagner é o da redenção. Umas vezes mais focado na mitologia cristã que outras, Wagner sempre se interessou por este tema (e até esteve para compor uma obra sobre a vida de Cristo) e, curiosamente, partilho com o mestre alemão o mesmo interesse: sempre me fascinaram histórias de redenção. Desde Manon a Violeta, não deixando de passar por Thais, a ópera está cheia de personagens que de alguma forma buscam a expiação para o seu passado. Tannhauser não é diferente. É um herói aprisionado nas teias do erotismo e da sensualidade, completamente cansado de uma vida de êxtase sensorial e carnal. A única definição que conhece do amor é a tesão, desconhecendo por completo que o amor contem uma componente bem mais profunda e luminosa.

Venus, em Tannhauser representa portanto aquilo que para os cristãos se define como “O Mundo”, tudo aquilo que é cativante, atractivo e que acaba por estar associado ao pecado. Ora, se de um lado Venus representa o pecado (e daí estar associada a uma deusa, representante do paganismo), por outro lado vemos surgir Elisabete, a qual possui contornos próximos aos da santidade, quase que uma representação viva daquela que será a virgem Maria.

Dá-se então a primeira fase da jornada do herói: a repulsa da vida passada.

Tannhauser deambula então entre o pecado e a salvação. Se por um lado sente uma tremenda repudia por tudo aquilo em que vivia, por outro lado não deixa de se sentir saudosista em relação ao mesmo quando confrontado com situações que não esperava, como a oposição dos trovadores. Afinal de contas é mais fácil voltarmo-nos para aquilo a que estamos habituados e sempre aceitámos como existência, do que confrontar o que nos é desconhecido. Mas ao ver Elizabete tudo muda. Nela descobre uma nova realidade sobre aquilo que sentia, e por ela está disposto a abraçar todo um conjunto de sacrifícios, se com isso conseguir expiar todos os seus pecados.

É então que se dá a segunda jornada do herói: O caminho da expiação.

Decidido a mudar tudo aquilo que ele é, ruma a Roma num longo caminho de auto punição, para se encontrar com o Papa e suplicar-lhe o seu perdão. Este ridiculariza-o e diz-lhe que para um homem como ele só com um milagre alguma vez alcançaria o perdão. Desgostoso e revoltado, Tannhauser regressa, agora mais que nunca decidido a voltar à sua vida passada. Se afinal para ele não há hipótese, porque continuar em frente?

É então que se dá o apogeu da sua jornada: o confronto final.

De um lado surge Vénus. Do outro a ideia de Elizabete que entretanto havia morrido por ele. Qual a versão do amor mais forte vencerá? Para o que está o seu coração voltado? Quererá voltar à vida que sempre viveu, que afinal não era assim tão má, que vivia em constante prazer, ou quer abraçar uma vida de sacrifício pessoal em troca de algo que lhe parece estar vedado?

É neste momento crucial que todas as forças entram em acção para conquistarem o coração do herói para sempre. Pode um homem como ele alcançar a salvação? Aparentemente sim porque um milagre surgiu e o papa reconhece-lhe a salvação. E com isto aprende-se: não é com jornadas de expiação, nem suplicando a homens impotentes por perdão que se alcança a salvação, mas através de um coração sincero e humilde.

Em Tannhauser vemos que Wagner tinha um grande conhecimento das escrituras sagradas pois aqui vemos uma adaptação criativa da lição do apóstolo que diz: “"Porque pela graça sois salvos, e isto não vem de vós, é dom de Deus. Não vem das obras, para que ninguém se glorie" (Efésios 2:8,9).

Em Tannhauser vemos uma crítica bem latente à instituição religiosa no Vaticano e à figura do papa. Vemos o papa como um homem impotente, insensível e impiedoso, e completamente desconectado daquilo que deveria ser o seu elo de ligação mais forte: Deus, o Pai. Vemos através dos cantores e dos habitantes da aldeia, uma visão distorcida da misericórdia, ao desejarem condenarem Tannhauser à morte e na relutância de lhe concederem uma oportunidade. Mas se a misericórdia não fosse conceder uma oportunidade a quem não merece, continuaria a chamar-se misericórdia ou não teria, ao invés, perdido completamente o seu sentido de existência?

Tannahuser é, portanto, muito mais que uma história de redenção pessoal. É, também, uma lição de misericórdia.

E foi ao pensar sobre tudo isto que me deixou Wagner. Uma vez mais não abandonei a sala em êxtase, mas antes em auto contemplação. Em Wagner a musica adquire uns contornos quase místicos. Desde a abertura, passando pelos duetos intensos, culminando naquele tema magnifico que é o dos peregrinos, Tannhauser deixa-me completamente avassalado. O Final então arrebata-me!

Claro que nunca consigo deixar de pensar , em tom de brincadeira, que se isto fosse escrito por Rossini, em vez de 3h30 teria demorado uns meros 45 minutos de musica cavalgante. Eu atrevo-me até a arriscar que se o Anel tivesse sido todo escrito por Rossini, tinha tudo cabido numa única opera!

Mas se por um lado, tudo é lento em Wagner, por outro, de nenhuma outra forma poderíamos sentir o impacto que desta forma as palavras e a musica produzem em nós!

E posto isto, agora fiquei com vontade de anexar a Polónia!

incrivel semelhança ou entao nao

2012-01-25T15:01:00.000-08:00

Alguem consegue notar a incrivel semelhança aqui encontrada entre o Agnus Dei da missa da Gloria e o Madrigal da Manon Lescaut? O Sacro a virar profano!Manon Lescaut

Missa da Gloria

Que opera andam ultimamente a explorar?

2012-01-07T10:05:00.000-08:00

Eu, da minha parte, é esta:

De Violetas

2012-01-06T16:01:00.000-08:00

Hoje, em conversa com um conhecido que acabou de assistir a uma produção da Traviata em Londres, com Fleming no papel titular, cheguei a uma conclusão. Para mim existem quatro Violetas fantásticas:

- Callas, a histérico-dramática

- Cotrubas, a tisica

- Netrebko, a cabra

- Gheorghiu, a sonhadora.

Concerto de Ano Novo

2012-01-03T16:04:00.000-08:00

O ano começou bem! Não vejo melhor forma de poder começar o ano senão comum recital logo a abrir o dia 1. Um frio de rachar na rua, uma ressaca ainda aser curada, mas ainda assim uma enorme vontade e boa disposição para começarcom o pé direito e entrar naquela sala bem quente e confortável que é a do SãoCarlos.

Inesperadamente surgiram no final de Dezembro alguns anúncios de queElisabete Matos daria um recital de ano novo no São Carlos. Os bilhetes erambaratos e com o medo de que esgotassem depressa dei logo por lá um saltinho, nãofosse o diabo tece-las. Para minha grande felicidade consegui encher o meuprimeiro camarote. Uma grande satisfação, afinal de contas ando à tanto tempo abatalhar para conquistar os meus amigos, que por fim vejo os resultados domesmo. Um grupo começa a formar-se!

Ao que parece este concerto foi feito de forma pró-bono pela própria ElisabeteMatos. Uma atitude louvável e que merece todo o nosso respeito. Em tempos comoestes em que tudo parece estar mais para lá do que para cá, é bom ver quealguns ainda tentam puxar o barco para a frente. E a adesão foi maciça! O SãoCarlos estava próximo do limite. Claramente um auditório sedento de lírica euma prova de que Lisboa está mais do que ansiosa por mais. Basta deslocar-nosàs transmissões em directo na Gulbenkian e assistimos a uma plateia esgotada.

O programa era simples mas bem conseguido. Uma primeira parte dedicada àopera, uma segunda parte dedicada a Zarzuelas e a operetas, por vezesintercaladas por intermezzos ou prelúdios musicais.

A direcção musical foi banal, e o coro também. Começou com uma abertura completamente desapaixonada da opera La forza del destino, tendo depois Elisabete começado com a áriada carta da ópera Macbeth , um pouco a apalpar terreno mas que depressa dominou. Nãofoi uma interpretação de sonho mas cumpriu bem o seu papel. A seguir a essa áriade que muito gosto (e que me faz sempre pensar em Shirley Verrett) seguiram-seoutras como “Addio mio dolce amor” da ópera Edgar de Puccini ou a “in questa reggia” da Turandot. Se como Macbeth não deslumbrou, como Turandot foiimpressionante. Rendi-me completamente e senti um arrepio quando a ária chegaao fim e o publico explode em aplausos. Uma magnífica interpretação! Esperosinceramente que na próxima temporada seja convidada para interpretar estepapel. (Ou o de Minnie, mas isso seria pedir demasiado J). Relativamente à segunda parte, a dasZarzuelas e operetas, via-se que Matos estava como peixe na água. Muitos anos acantar por Espanha faz disso. É um reportório que desconheço e que, embora meseja menos interessante, não deixa de ser muito agradável de ouvir num fim detarde como aquele. (Incrível como Espanha, à semelhança do resto da Europa,conseguiu desenvolver a lírica e adapta-la com uma linguagem nacional cheia decoloridos locais, à semelhança do que se fez pela Europa, e nós, em Portugal, nãoconseguimos fazer nada que fosse realmente notável.).

O dia 1 foi uma prova de que o publico quer mais. Os artistas querem fazermais. A cultura é um ministério cujo orçamento ronda os 300 milhões de euros.Nem que deixasse de existir, o seu impacto nas contas do estado se faria notarno défice de forma significativa. Vamos continuar a brincar e a relegar acultura para trás? Não é ela que faz os povos avançar? Que essa seja umaresolução de ano novo para alguns que podem fazer a diferença.

Este natal veio cheio de lírica francesa no sapatinho :)

2011-12-26T05:32:00.000-08:00

Feliz Natal

2011-12-24T03:50:00.001-08:00

Deixo-vos o meu hino de natal preferido numa explendida versão.Um Santo Natal. Cristo nasceu!

Notas sobre o Fausto

2011-12-15T14:15:00.000-08:00

Já aqui anteriormente comentei a minha opinião sobre esta ópera ( Econfirma-se a tendência para adormecer com esta ópera...!) .Quero agoraescrever sobre algumas coisas que entretanto tenho andado a ler num livrochamado “A ópera na França” do professor Lauro Machado Coelho.

O Fausto de Goethe sempre despertou a curiosidade de vários compositores sobrecomo o adaptar aos palcos. A razão é simples: O Fausto possui tudo aquilo que àépoca era considerado atractivo. Possibilidade de grande espectáculo, temáticapseudo-gotica-religiosa, alguns momentos cómicos, humor negro, cenas de duelos,etc. Foram feitas diversas adaptações desde a Damnation du Faust de Berlioz, aoMefistofeles de Boito, mas foi o de Gounod aquele que sempre mais se destacou.

Esta ópera foi o primeiro grande sucesso do compositor. Ao contrário daobra a que assistimos no sábado ou que normalmente é apresentada nos palcos dalírica, esta ópera começou por conter muitos diálogos falados, em vez derecitativos cantados. Essa é a razão porque era considerada como umaopera-comique. E, de acordo com as modas da época, se era comique, não podiaser cantada na Opera de Paris, pelo que só 10 anos após a sua estreia é que sedeu a sua estreia nessa casa, após uma revisão do próprio Gounod. (À boa modaparisiense, foi obrigado a incluir um ballet, muito a contra-gosto, diga-se,razão pela qual algumas vezes o mesmo é excluído da apresentação).

Ao ouvir esta ópera facilmente percebemos a razão do porquê esta tercomeçado quase que de imediato um tão grande sucesso quase desde a sua estreiae depressa atravessou o oceano e estreou-se em Nova Iorque em 1883, na aberturada Metropolitan Opera de Nova Iorque. Era tão famosa em Londres que ao longo de48 anos consecutivos (1863 a 1911) foi sempre apresentada na Royal Opera, tendoum critico musical a certa altura implorado para o pararem de colocar porque jánão aguentava voltar mais um ano para o assistir!

É com esta opera que se fixam novos tipos de vozes. Surge o tenor lírico, oqual tem uma voz mais forte que a anterior, mas não tão robusta como aquela quevai ser desenvolvida com a opera italiana. Surge também, com o papel deMarguerite, a Soprano lírica pura, e sobretudo desenvolve o Baixo cantante, atravésdo papel de Diabo (embora na sua estreia tenha sido um barítono com bonsgraves), o que dará mais tarde origem a papeis como o do Filipe II no DonCarlo.

Em resumo, transcrevo aqui um excerto de uma opinião escrita por JulianBudden (um professor de ópera britânico):

“Aqui nada há para perturbare muito para encantar: decerto, depois que a lembrança de todas as imitaçõesque foram feitas dela tiverem se dissipado, esta musica há de recobrar, paranós, o encanto especial que tinha para os nossos bisavós. “

Live from the met: Fausto

2011-12-11T15:25:00.001-08:00

Ontem foi dia de Fausto, em directo do Met, noestamine da cultura em Portugal, a Gulbenkian. As saudades que já tinha destesserões!

Acabadinho de chegar de Luanda e ala, lá fui eupara aquele anfiteatro quentinho e confortável para tirar a barriga demisérias. Pelas criticas e imagens que tinha visto a coisa parecia não augurar nadade bom. Cantores de primeira (salvo a Poplavskaia que não me agrada), é certo,mas uma produção moderna e completamente desfasada do conceito original fez-meficar reticente.

A direcção musical esteve a cargo de Nezet-Seguin. Já algumasvezes o vi a dirigir óperas e sempre gostei do que ouvi. Desta vez não foi excepção.A partitura de Gounod foi dirigida com extrema sensibilidade e bom senso,realçando as subtilezas dos acordes mais negros, conferindo à obra um caráctermuito mais pesado do que o que se tem ouvido nos tempos mais recentes.

Poplavskaiafoi Marguerite. Nunca gostei muito desta soprano, no Don Carlo foi sofrível ena Traviata nem comento. Mas aqui, apesar de muitos levantares de sobrolho,creio que foi a sua melhor interpretação. Marguerite é o papel que melhor lheassenta. A ária das jóias foi fraca, tendo-se apenas começado a revelar já narecta final quando aparece grávida a costurar. Infelizmente a voz não lhefacilita nada a vida, e a sua cara é por vezes inexpressiva. Ainda assim, acho queisso foi uma vantagem porque conseguiu fazer dela uma louca muito credível nacena final.

Kaufmann foi um Fausto notável, muito ao género doque se fazia antigamente. A sua voz quase baritonal fizeram dele um Faustojovem mas maduro, qual um Benjamim Button, que ao chegar a jovem carregava consigotoda a idade e experiencia de uma vida. A sua voz é aquilo que já estávamos aespera: arrepiante, profunda, expansiva, audível, e com uns belíssimospianíssimos. Foi magnífico, sobretudo no acto final.Aí, revelou-sesobremaneira!

No entanto, o grande intérprete da tarde foi RenePape como Diabo. Ohomem tem literalmente o diabo no corpo. Ninguém o consegueencarnar com tamanha naturalidade! Pape é, provavelmente, o Ramey da actualidade,mas com um porte mais frio (e ao mesmo tempo mais sinistro – e só aquele olhardiz tudo). Consegue ser ao mesmo tempo maquiavélico e cómico, e tudo, mas mesmotudo, sempre cantado com a maior qualidade. Já em Londres o havia visto nestemesmo papel e não fiquei surpreendido. O Papel de Diabo assenta-lhe que nem umaluva!

Por ultimo, a produção: uma porcaria! Os meusreceios confirmaram-se. Modernismos só porque sim e que não acrescentam nada àobra, valem zero. Houve aspectos da produção positivos, por exemplo o aparecerdas caras em grande plano ou as rosas a cair. Também gostei muito da cena emque Valentim morre. E apesar de compreender que é possível transferir a acçãopara a segunda guerra mundial, não consigo compreender como uma cena de igrejacontinua a ter cientistas. Poderia muito bem ter sido apenas uma coisa doprimeiro acto, mas o arrastar da mesma ideia pelo restante da obra, forçandosituações (aquela agua benta…poderia ter sido mais engraçado usar aguadestilada, digo eu!) foi pura idiotice e falta de noção. Fui só eu que repareique Poplavskaia ao início apareceu como uma trabalhadora do laboratório e maisa frente já só é uma mulher da costura? Faria algum sentido manter uma certacontinuidade da leitura, acho eu. E quando se ouve o bebe a chorar e a seguirvemos uma cambada de cientistas e uma bomba nuclear a explodir só pensei: “OMet virou teatro experimental.” Deu-me uma enorme vontade de rir e de gritar “Mas que m…. é esta?!”. Com isto a que assistimos, creio eu, penalizou-se muitomais a obra de Gounod do que se lhe favoreceu, uma vez que se perdeu o seufactor de atracção mais básico (e primitivo): o gosto pelo pseudo-gótico-religiosomuito em voga no sec. XIX (e nos dias de hoje também). Valha-nos no entanto,que a musica é fantástica e os dois principais interpretes fizeram valer tudo oresto!

Faust@Met

2011-12-07T14:52:00.001-08:00

Um vídeo daquilo que nos espera já no próximo sábado (Sim, a mim também! hehe). Algumas criticas já saíram e o New York Times não foi muito entusiasta relativamente à produção. Angela Gheorghiu cancelou a sua participação na mesma quando percebeu que se tratava de uma coisa moderna. Mas são os EUA e eles são conservadores. E a Gheorghiu é retro-kitsch. Mas admito, também eu fiquei com algumas reticencias depois deste video. Não consigo nada imaginar o Fausto como um cientista a desenvolver a bomba atómica!

Felizmente, existem cantores que podem tornar uma produção inesquecivel, e nesta estão dois que muito admiro: Kaufmann e Pape. A ver vamos, como dizia o cego!

Royal Opera House

2011-11-18T15:22:00.001-08:00

Um vídeo engraçado sobre os interiores da Royal Opera House. Tudo isto faz parte de uma campanha de marketing agressiva por parte de Londres em resposta ao que o Met de Nova Iorque tem feito. Até já fazem transmissões em directo (e a Opera de Paris também está já a começar a fazê-lo). Estamos a assistir a uma viragem interessante no panorama lírico: Em que a Opera sai de casa para os cinemas. Uns apontam a vantagem de assim desta forma se poder aceder a um publico bastante mais vasto e jovem, o qual não está disposto a pagar muito. Outros alegam que desta forma se desvirtua o conceito de ir a uma casa de espectáculo e que a própria casa, fica cada vez mais preocupada em ser um cinema, do que em dar atenção ao seu publico fisicamente "real". Opiniões à parte...sejam bem-vindos ao interior da Royal Opera House.

Antena 2 Opera

2011-11-16T11:00:00.001-08:00

A antena 2 possui agora um canal de radio online exclusivamente dedicado ao universo da ópera! E nós, aqui deste lado, agradecemos!

http://www.rtp.pt/radios/online/antena2opera/

Adriana e Gheorghiu

2011-11-11T23:38:00.001-08:00

Esta semana Angela Gheorghiu e Jonas Kaufmann subiram ao palco do Carnegie Hall em Nova Iorque para uma versão em concerto da ópera Adriana Lecouvreur. Ainda que seja uma opera com algumas fragilidades, possui alguns momentos de grande carga dramática, além de um grande conjunto de arias notáveis. Aparentemente, quanto a esta interpretação, a casa veio abaixo. Aqui deixo um registo do que por lá se ouviu.

Quanto a mim, Não é uma Callas nem uma Olivero, mas Gheorghiu não deixou de me fazer ficar arrepiado com esta interpretação vivida e sentida. Eis aqui a critica do New York Times.

Novidades para este Natal

2011-11-07T12:57:00.000-08:00

Muito aguardava eu por estas gravações e foram finalmente lançadas em dvd! Cada vez mais desejo regressar ao velho continente para lhes esticar a mao e ver confortávelmente no meu sofá =)

Donizetti

2011-11-02T10:15:00.000-07:00

Donizetti nasceu em 1797 em Bergamo e morreu em 1848 tendo sido um dos compositores que mais contribuiu para a expansão da ópera. As suas obras mais conhecidas são o Elixir do Amor, Don Pasquale, a Filha do Regimento e, sem dúvida nenhuma, Lucia de Lammermoor. Pelos desenhos que vemos do mesmo, tinha mesmo a pinta de ser um verdadeiro macho latino.

Era um puto pobre, filho de uma família (também, é claro) pobre e sem qualquer tradição musical, mas conseguiu ainda assim receber aulas de Mayr, um compositor alemão que à data gozava de um enorme sucesso internacional (apesar de agora gozar de um grande esquecimento internacional – Das poucas obras que actualmente podemos ouvir dele recomendo a Medea in Corinto).

Donizetti não tinha jeito nenhum para cantar no coro, mas ainda assim foi um dos primeiros a entrar na escola que Mayr veio a fundar e ali deu os seus primeiros passos na composição. Começou desde miúdo a compor umas coisas sem grande interesse até que, quando compôs a sua quarta ópera, Zoraida di Granata, conseguiu despertar a atenção de um tal Domenico Barbaia, o qual o convidou a compor em Nápoles. Continuou a compor mais umas coisas de relativo sucesso mas sem despertar grandes atenções, até que por fim compôs Ana Bolena em 1830. Foi sucesso imediato! E num instante era conhecido por toda a Europa. Dois anos depois compôs outro dos seus grandes sucessos, Elixir do Amor, uma ópera cómica, a qual veio a ser considerada como uma das obras-primas do género no século XIX. Para aproveitar a maré de inspiração, compôs logo a seguir Lucia de Lammermoor, aquela que viria a ser a sua obra-prima, e da qual existe um sem numero de registos. É provavelmente ao lado da Norma de Bellini, um dos expoentes máximos do Belcanto. (O que é o Belcanto? Podem clicar aqui).

Imediatamente a seguir à Lucia compôs Lucrezia Borgia, a qual consolidou, para os quais ainda poderiam ter duvidas, a reputação de Donizetti no panorama musical. Estava portanto na berra, e como todos os músicos que estavam na berra, tinha de se deslocar para a Broadway da época: Paris! Foi ai que, após a não muito bem recebida Marin Faliero, viria a estrear com enorme sucesso a ópera la Fille du Regiment (sucesso, claro, porque não são poucas as piscadelas de olhos à França – para alem de ser extremamente engraçada). De salientar que os seus enormes sucessos não se resumiram às operas mencionadas acima. Maria Stuarda, Roberto Devereux, Poliuto e Don Pasquale são também exemplos do seu grande trabalho.

Como nota de curiosidade, foi ele quem estreou o famosíssimo Stabat Mater de Rossini enquanto maestro.

A vida deste homem não foram só sucessos, foi infelizmente também pautada por uma série de infortúnios. Teve três filhos e nenhum sobreviveu, e a sua mulher morreria um ano depois dos seus pais terem também falecido, com cólera. Sintomas de sífilis começaram a manifestar-se no seu corpo, para além de uma desordem bipolar. Foi hospitalizado, e enviado para Paris para ser tratado, onde o próprio Verdi, que também era seu amigo, o foi visitar. Levaram-no de volta para Bergamo, onde viria mais tarde a falecer, depois de alguns anos de insanidade mental.

A sua última ópera completa a ser composta foi Don Sebastião, alusiva ao rei português, a qual foi uma tentativa de competir com a grand-opera de Auber e Mayerbeer, e que, infelizmente foi criticada como “um funeral em cinco actos”. Apesar de não ser a sua melhor, não posso concordar de todo com esta opinião. Existem algumas gravações da mesma, das quais recomendo vivamente uma bastante recente com Vasselina Kasarova.

Se a Carmen estivesse no facebook

2011-11-02T09:02:00.000-07:00

LOL

Ingvar Wixell (1931-2011)

2011-10-26T14:45:00.000-07:00

Faleceu no passado dia 8 em Ingvar Wixell, um grande baritono sueco (A Suécia tem prendado o mundo com grandes cantores, muitos deles infelizmente já partiram). Destacou-se sobretudo como um excepcional Rigoletto. Reduzi-lo no entanto a apenas isso será dizer absolutamente nada. A sua voz destacava-se das demais, talvez pelo seu tom rígido, quase duro, o que lhe conferia um ar completamente tirânico (daí ser um grande Scarpia para mim). Enfim, mais um, a juntar-se aos grandes.

Morir! Tremenda cosa! 
Sì intrepido, sì prode, ei pur morrà! Uom singolar 
costui! Tremò di Calatrava al nome. A lui palese n' è 
forse il disonor? Cielo! Qual lampo! S'ei fosse il seduttore? 
Desso in mia mano, e vive! Se m'ingannassi? 
Questa chiave il dica. 
Ecco i fogli! Che tento! 
E la fè che giurai? E questa vita che debbo al suo 
valor? Anch'io lo salvo! S'ei fosse quell' Indo 
maledetto che macchiò il sangue mio? . . . Il suggello 
sì franga. Niun qui mi vede. No? Ben mi vegg'io!


Urna fatale del mio destino, 
Va, t'allontana, mi tenti in vano; 
L'onor a tergere qui venni, e insano 
D'un onta nuova nol macchierò. 
Un giuro è sacro per l'uom d'onore; 
Que' fogli serbino il lor mistero. 
Disperso vada il mal pensiero 
Che all'atto indegno mi concitò. 
E s'altra prova rinvenir potessi? 
Vediam. 
Qui v'ha un ritratto . . . 
Suggel non v'è . . . nulla ei ne disse . . . 
Nulla promisi . . . s'apra dunque . . . 
Ciel! Leonora! 
Don Alvaro è il ferito! 
Ora egli viva, e di mia man poi muoia! 

È salvo! Oh gioia! 
Egli è salvo! Gioia immensa 
Che m'innondi il cor ti sento! 
Potrò alfine il tradimento 
Sull'infame vendicar. 
Leonora, ove t'ascondi? 
Di': seguisti tra le squadre 
Chi del sangue di tuo padre 
Ti fe' il volto rosseggiar? 
Ah, felice appien sarei 
Se potessi il brando mio 
Ambedue d'averno al dio 
D'un sol colpo consacrar!

São Carlos na rua da Amargura

2011-10-25T12:07:00.000-07:00

Cortes orçamentais no Organismo de Produção Artística (Opart), empresa que gere o Teatro Nacional de São Carlos e a Companhia Nacional de Bailado (CNB), levam hoje representantes do Sindicato dos Músicos à comissão parlamentar de Educação, Ciência e Cultura

Infelizmente, é o que se passa no nosso país. A cultura está a preço de saldo. Está tudo louco, Corta-se por todos os lados, sem olhar a quê. O São Carlos desde há uns anos a esta parte que sobrevive com um orçamento que mal chega para as suas necessidades mais basicas. mas agora decidiu-se cortar em 20% o já anorético orçamento. Depois, como podemos nós exigir mais qualidade quando as pessoas que nele trabalham vivem numa angustia total? Gabo-lhes a força de vontade por continuarem a trabalhar, ano após ano, constantemente bombardeadas com o descontentamento do publico a quem pretendem servir.

Compreendo, em tempos de vacas doentes, tenta-se de tudo. Mas sejamos francos. 4 milhões, é completamente imaterial para o orçamento de estado. Não o é, no entanto, para a vida cultural do país. A oferta por estes lados de entretenimento que não se resuma a uns quantos individuos atrás de uma bola ou a uma tela, escasseia. É isto que queremos? Foi a isso que resumiu o país de Camões, Gil Vicente, Eça de Queiroz e Pessoa?

Torno a dize-lo: 4 milhoes de euros a menos, não afecta nem 0,1% do orçamento de estado. Só na saude o buraco ronda os 200 milhões, para não mencionar outros buracos. (De facto o que Portugal mais parece agora é um queijo suiço), portanto nao me atirem areia para os olhos porque não é cortando na cultura que se resolve o problema. Nunca foi e não será desta vez. Os problemas de Portugal são bem mais estruturais e prendem-se com uma cultura de gestão completamente ineficiente, onde mais de metade das empresas em Portugal nos ultimos anos não apresentou lucro. O sistema de saude é tão mal gerido que os sistemas informáticos nao se encontram devidamente integrados e os stocks são geridos ao Deus dará (e todos nós sabemos quanto custam os fármacos - généricos ou não). Existe toda uma cultura do desperdicio que doi. E mais de metade da população portuguesa viveu numa realidade completamente à parte (ou acham os funcionários publicos que as coisas acontecem só porque os outros erraram?).Existem direitos adquiridos que nem nunca deveriam ter sido concedidos. Acho incrivelmente pornográficos os vencimentos que alguns trabalhadores da CP auferem e as regalias de que podem gozar. E quando ouço manifestações de comissários da TAP então só tenho vontade de revirar os olhos. E o TGV parece que não para. Enfim, se o bom senso nestas bandas não abunda entre muita da classe trabalhadora, como a podemos exigir ao governo?

Ainda assim, digo e suplico: deixem lá passar os 4 milhões para esta banda. O São Carlos precisa deles para continuar a sobreviver. Têm feito um esforço para oferecer ao publico um serviço de qualidade. Julgo que só por isso, mereçam um voto de confiança.

Anna Bolena @ Met

2011-10-24T16:15:00.000-07:00

Sempre que assisti a uma transmissão em directo de Nova Iorque na Gulbenkianpensava para comigo mesmo e até comentava com os demais que me acompanhavam: “Um dia vou estar do outro lado deste ecrã”. E foi isso, sobretudo isso, que mefez deslocar a Nova Iorque. Sabia que esta temporada ia começar com a estreiada Anna Bolena no Met (incrível como nunca antes lá havia sido cantada, nem coma americana Beverlly Sills) e com Anna Netrebko no papel titular. Quando atemporada foi apresentada, Jane Saymoor iria ser interpretada por ElinaGaranka, outra razão que me levou a planear toda a visita. Elina acabou porsair e foi substituída por Gubanova.

Os bilhetes para assistir a esta opera foram uma complicação. Tinha feitouma pré-reserva em Abril, para serem efectivamente comprados apenas a 15 deAgosto. No momento da compra, indicaram-me que a minha pré-reserva nunca haviaentrado em sistema e que a sessão que eu queria já estava esgotada! O pânicototal! Já tinha comprado voos, os bilhetes para as outras recitas, mas a minhaexperiencia em Nova Iorque não seria a mesma coisa sem a Anna. Dia apos dia iaclicando no site do Met até que surgiu uma desistência e eu aproveitei deimediato a oportunidade! Tudo estava salvo e eu estava feliz de novo!

As 13h do sábado, dia 15, já estava eu sentado, num lugar com uma óptimavista, quase em cima do palco. A casa estava cheia. Esta produção da AnnaBolena estava a ser um dos grandes acontecimentos de Nova Iorque. (Por exemplo,quando sai da recita, enquanto atravessava a estrada e levava um saco do met,fui abordado por desconhecidos perguntando-me se já tinha ido ver a Anna Bolenae o que tinha achado).

Marco Armiliato foi quem dirigiu. Há quem tenha comentado que tenha sidouma direcção comum. Eu no entanto gostei bastante.

Desconhecia completamente a historia desta ópera (apesar de conhecer bem ahistoria de Anna Bolena). Foi com esta ópera que Donizetti alcançou o seuprimeiro sucesso, feito dela a primeira da famosa trilogia das rainhas. Estreouem 1830 em Milão.

Assim que os candeeiros do Met subiram e o maestro chegou, as minhas mãosnão paravam no meu colo, acompanhando a frenética abertura. O pano desta vezera negro, sinal de fatalidade. Assim que subiu, vemos um palco escuro. Todoscarregam todos austeros. Não se assiste a qualquer tipo de exagero cénico.Desta vez David Macviccar não agiu à la Zefirelli e ganhou muitos pontos. A produçãoficou completamente centrada no essencial. Nas personagens e nos seus dramas.Não havia espaço a distracções. Surgiu então Anna Bolena e o meu coraçãodisparou. Estava finalmente a ve-la em palco e a sua voz é espectacular.Projecta-a com uma enorme facilidade. Faz-se ouvir sem problemas. Massobretudo, é uma voz belíssima. E se fosse tudo isso, estava já eu muito feliz.Mas Anna é mais. É uma grande actriz. Incarnou completamente o papel dainteresseira Bolena.

Bolena não é santa nenhuma. Ela própria o admite. Nunca casou com o reiporque o ama. E não ficou furiosa com Jane porque gostasse muito dela. Masporque estava no seu caminho. Bolena sabe que o seu relacionamento com o reinão está bom. Mas nada teria feito para o melhorar se não descobrisse que haviauma rival, porque simplesmente ela já havia alcançado o que pretendia.Correu-lhe mal e outra aproveitou-se das suas fraquezas.

A história da ópera é toda ela um lento caminhar para um enterro. Desde oinicio que sabemos da fatalidade que a espera. E no entanto, apesar de sabermosas pérfidas razoes que a levam a lamentar-se, a suplicar, e a forma como atéali chegou, não conseguimos deixar de passar indiferentes ao seu sofrimento.Até somos condescendentes quando Anna mente, afirmando que já tem um casamentoanterior. Acompanhamos sempre de perto o seu sofrimento, e no intimo atédesejamos que pelo menos na opera, Bolena não tenha o mesmo fim que a dahistoria teve. (mas se tivesse, já não seria ópera a sério, não é verdade?)

Anna Netrebko foi fenomenal no papel da rainha. Desde o inicio. Se sente asua fúria, se sente o seu sofrimento, e sobretudo, se sente a sua angústiaexasperante por se salvar. Vemo-la sempre ansiosa por uma solução. Aquelemomento em que Anna suplica junto do rei, quando mais nada tem para a salvar, éde partir o coração. E quando tudo passa, e assistimos a uma Anna resignada coma sua morte, também ai Netrebko é fenomenal. E por fim, a verdadeira explosãocom a ária Coppia Iniqua. Foi quando a casa veio completamente abaixo!

Jane for interpretada por Gubanova, a qual foi uma boa Jane,ainda que não muitobonita e com algumas debilidades na voz, nitidamente corroída pelo seu remorso,e desesperada por tentar encontrar uma solução para a sua rainha, apesar deamar ( ou de desejar também ela o trono?) o seu rei.

Abrazakov Abraçou o papel de Henrique VIII. Senhor de uma boa figura, sopela sua apresentação já convencia como tirânico e impiedoso rei. A sua vozevidenciava isso mesmo. Todo ele era nobreza e crueldade para com Anna. Umespectáculo!

Tudo o restante, concordo com o que já foi comentado diversas vezes aqui,aqui e aqui, pelo que não me quero repetir.

Foi realmente uma verdadeira experiencia em Opera. Primeiro por causa deNetrebko. Irrepreensível. Depois por causa da ópera em si. Anna Bolena é umagrande obra (já agora se alguém me arranjasse a gravação com a Suliotisfazia-me um grande favor hehe). Depois por causa de toda a experiencia no Met.E foi muito engraçado mandar uma mensagem para Lisboa para alguém que estava aver o mesmo que eu, do outro lado do ecrã! Enfim, so por isto, já valeu apenater ido a Nova Iorque.

E agora, de barriga cheia, regresso a um sítio onde a lírica não temqualquer tipo de representação. Felizmente levo uma quantidade grande de dvdsna bagagem para me entreter!

Don Giovanni@Met

2011-10-24T16:07:00.000-07:00

Não sei se é a ópera mais conhecida de Mozart, mas é pelo menos consideradapor muitos, como a sua melhor, e até de chamada por alguns como a ópera das óperas.

A estreia desta nova produção estava marcada para a quarta-feira dia 13 deOutubro com Marius Kwiecen no papel titular e Luca Pisaroni no papel deLeoporello. Barbara Fritolli era Donna Elvira e Marina Rebeca, Mojca Erdman,Joshua Bloom, Stefan Kocan e Ramon Vargas compunham os restantes papéis.

Comparativamente com o Nabucco que havia assistido no dia anterior, o DonGiovanni parecia de repente uma ópera bastante mais fácil de cantar, sem umagrande exigência vocal para os cantores. Posso estar, é claro, redondamenteenganado.

Infelizmente Marius Kwiecen teve decancelar a sua apresentação por se ter aleijado nas costas durante um ensaio efoi substituído por Peter Mattei.

Esta nova produção teve a assinatura de Michael Grandage e foi dirigida por Fabio Luigi.

Don Giovanni, é só por si só, logo uma ópera que agrada facilmente, devidoa um libretto muito bem-humorado e bem conseguido (ainda que no segundo acto setorne um pouco repetitivo). A história pode ser lida aqui. A ária do catálogo é uma comédiatotal, Leoporello é uma peça e os diálogos entre ele e Giovanni são de chorar a rir.Mas o que mais gosto nesta ópera é o final fenomenal quando o comendador aparecepara jantar.

Quando ao que assisti: Foi tudo bem conseguido, não tendo havido,infelizmente, ninguém que se tenha destacado de uma forma geral. BarbaraFritolli distingue-se pela sua voz. Mas isso é apenas uma questão de timbre. Esó porque o mesmo não me agrada muito. Mesmo a química entre Leoporello e DonGiovanni, nunca se fez sentir muito, não pareciam realmente muito íntimos.(talvez aí pese muito a substituição à ultima da hora de Kwiecen).

Tenho de fazer apenas uma excepção a Ramon Vargas. Gosto muito da emoção comque este tenor canta. Sente as coisas! E tem uma voz que me agrada. Foirealmente quem mais gostei de ouvir.

Quanto à direcção musical, foi a primeira vez que Luigi dirigiu esta óperae o cuidado na direcção da mesma, estava todo lá. Uma vez mais, tudo foi bemdirigido, mas faltava-lhe o ritmo e a energia que tão bem caracterizam Mozart eas suas obras.

Quanto à produção, a mesma pode ser vista no vídeo que abaixo anexo, paraterem uma ideia. Era bonita e bem conseguida mas teria sido só e apenas só issonão fosse no final (claro que estou a falar de acordo com os padrões do Met enão do nosso São Carlos. Tomara a mim!) , quando o Comendador agarra a mão deDon Giovanni, o chão abre-se e engole o pérfido engatatão. Um finalapoteótico completamente condizente com a imaginação de Mozart. Foi, sem dúvidaalguma, o momento alto da noite.

Se há coisa de que o Met não pode, de forma alguma, ser acusado é de faltade noção de espectáculo. Por vezes ponho-me a imaginar como seriam lá recebidasas óperas de Mayerbeer com todos os seus truques e convites ao espalhafatoso eduvidoso.

Esta produção vai ser transmitida em directo na Gulbenkian no próximo dia 29de Outubro.

Nabucco@Met

2011-10-24T15:57:00.000-07:00

No mesmo dia em que conheci Anna Netrebko, ao final da tarde ia ter a minhaprimeira récita naquela tão conhecida casa de ópera e ia assistir ao meuprimeiro Nabucco. Apesar de conhecer bem a musica desta ópera de uma gravaçãocom a Dimitrova e o Capuccilli, nunca a havia visto ao vivo ou em dvd (eu sei,eu sei, uma grande falha minha!).

Nabucco é o primeiro grande blockbuster de Verdi. Foi estreado em 1842 no Scalla de Milão e foi com ele queobteve o seu primeiro sucesso e fez com que o seu nome cativasse as audiências.A música é um verdadeiro festival para os ouvidos, uma violência brutal para oscantores e um arrepio para quem assiste. É tudo à grande. É o inicio do queVerdi melhor fará (uma grande economia de musica e libretto aliada a historiasempolgantes e a uma musicalidade sempre cativante e genial). A história damesma pode ser lida facilmente aqui. Desde o seu inicio que esta ópera é apresentadaconstantemente nos palcos e facilmente se compreende porquê. A sua música epoesia atingiu de tal forma relevo que o hino dos escravos hebreus “Vapensiero” assumiu contornos de hino nacional italiano não oficial durante aépoca da ocupação italiana, tendo continuado como um dos mais queridos efamosos momentos corais da ópera.

Os cantores a que assisti foram Maria Guleghina no papel de Abigaile, aambiciosa escrava hebraica, Zelcko Lucic no papel do louco rei Nabucco, e CarloColombara no papel do profeta Zacarria. A orquestra do Met foi dirigida peloainda não oficial maestro da casa Fabio Luigi.

Se há uma coisa que se pode dizer de Maria Guleghina a seu favor é que amulher arrisca, mas arrisca a sério, como os cantores de antigamente. Canta deuma forma pouco comum nos dias de hoje (hoje em dia é tudo cuidados) e faz oque tem a fazer. Apesar de a achar um quanto trapalhona, principalmente nascoloraturas onde as assassina completamente, Guleghina é uma grande actriz.(Lembro-me do Macbeth dela. Péssima coloratura, mas uma grande actuação aindaassim). Ela grita, e não se cansa de gritar. Anda pelo palco, sobe, desce, fazacontecer. Nunca para e canta (e o papel de Abigail não é mesmo nada fácil dese cantar) como se não houvesse amanha. Este Nabucco que assisti deve-lhemuito.

Zelcko Lucic foi um bom Nabucco. Gosto muito deste barítono. Já o anopassado o havia visto ao vivo na Traviata no papel de Giorgio Germont emantenho o que digo dele. Possui um timbre bonito e nobre. A voz não tem tantaprojecção como eu gostava, mas ainda assim, faz-se ouvir sem problemas. Foisempre convincente no que fez, sobretudo na cena da loucura (já cá faltava acena da loucura não é verdade? Não há opera que não a tenha! Haha).

Colombaro foi Zaccaria, e pessoalmente, achei-o um assombro. Gostei muitoda sua voz, e sobretudo da sua autoridade. Foi de facto um profeta da desgraça,sempre austero e autoritário, sem receios do que tem para dizer. A sua áriainicial abriu a ópera em cheio e a ária , que está entre as minhas preferidas,foi espectacular! Sim senhor, até dá gosto!

O coro no Nabucco possui um papel tão fundamental como os cantores pois équase que uma personagem. E o coro do Met foi irrepriensivel. Falha alguma selhes pode apontar. (Ah! Mentira, ouve uma vez que detectei uma desafinação!Haha!). O culminar foi, obviamente, quando cantaram o Va Pensiero, que fez aaudiência rebentar em aplausos. Eu então, era todo eu batimentos cardíacosacelerados!

A direcção musical ficou a cargo de Fabio Luigi. Segundo parece, este seráquem vai ter a grande responsabilidade de substituir James Levine em frente daorquestra do Met. Sinceramente, Levine é de alguma forma insubstituível porqueconseguiu moldar toda uma orquestra e conferir-lhes uma dimensão avassaladora,sobretudo no que a Wagner diz respeito. A leitura que assisti do ouro do Renona passada temporada nas transmissões em directo foi sublime. Portanto, não éde duvidar que Luigi se sinta sobremaneira pressionado a não falhar. No momentoem que escorregue, tudo lhe cairá em cima. Ora, isso pode levar a que Luigi,seja portanto, bastante cuidadoso enquanto dirige. Essa é, pelo menos a minhaopinião. Musicalmente falando, a este Nabucco faltava apenas uma coisa:Impacto. Foi tudo bem muito bem tocado, muito bem dirigido, mas faltava umamaior dimensão. Era isso e teria sido quase perfeito.

Por ultimo: A produção. Bastante impressionante e agradável. O palco rodavasobre si mesmo. De um lado temos a cidade de Jerusalém quase que construída emforma de pirâmide, e quando o palco girava, do outro lado tínhamos a Babilónia,com uma grande escadaria onde no topo havia um trono e um altar a um deuspagão. Deixo aqui um vídeo onde poderão ver o mesmo.

Em jeito de conclusão: Uma grande noite, um grande espectáculo, uma óptimaprimeira vez!

Ana e Eu

2011-10-24T15:06:00.000-07:00

Depois de uma conturbada semana após regressar de Nova Iorque, aquelacidade onde tudo acontece, agora que estou a sobrevoar o continente africano acaminho de mais uma temporada na ex-colonia angolana, aproveito finalmente paracomentar aquilo a que assisti.

No que a este blog diz respeito, em Nova Iorque, entre muitas outrascoisas, visitei a Metropolitan Opera para assistir a três récitas e também paraa sessão de autógrafos do novo cd de Anna Netrebko. Mal fazia eu ideia que amesma ia acontecer, quando um dia antes de embarcar a caminho de NovaAmesterdão li no site do met a noticia que muito me alegrou! Não só ia poderve-la ao vivo no palco, como também ia poder falar com ela e ter um autógrafo,logo no dia a seguir à minha chegada! Dessa forma, na terça-feira, um poucoantes da hora marcada, lá estava eu na loja do met a comprar o cd “AnnaNetrebko Live at the Met” e a ir para a fila, aguardando pacientemente pelaminha oportunidade. Enquanto tagarelava com um amigo meu sobre a Anna e o queela canta ou deixou de cantar, atrás de nós um senhor ouvia, até queinterrompeu e perguntou se éramos de Portugal ao que respondi que sim. Ele erabrasileiro e vivia em Nova Iorque há 16 anos e venerava Anna Netrebko. “ela émaravilhosa, ela é um assombro”, ela isto e ela aquilo. Perguntei-lhe se játinha visto a Anna Bolena ao que ele me respondeu: “ Voces vão adorar”. Foi osuficiente para a minha ansiedade e curiosidade alcançar níveis nunca antesatingidos. A passo e passo, fui-me aproximando do grande e esperado momento.Assim que me encontro do lado dela, completamente nervoso digo-lhe de ondevenho e o quanto gostava dela e se poderia tirar uma fotografia, e ela com umenorme a vontade e simpatia aceitou de imediato. Conversámos um pouco. Quando omeu amigo lhe disse o seu nome os olhos de Anna abriram-se: “Esse é o nome domeu filho! Sempre gostámos do nome português Tiago!”. Ainda nos rimos um bombocado e fomos embora. A minha viagem a Nova Iorque estava, portanto, a começarda melhor maneira!

Anna Netrebko Bolena

2011-10-15T16:35:00.000-07:00

FOI ABSOLUTAMENTE FANTÁSTICA!

GRANDE ANNA NETREBKO!

HOJE ASSISTI A UMA RÉCITA DE ÓPERA MEMORÁVEL E INESQUECÍVEL!

Daqui a poucas horas...

2011-10-14T23:36:00.000-07:00

Ao vivo no Met, a tão esperada récita da Anna Bolena! Caros leitores, encontro-me convosco do outro lado do ecrã da Gulbenkian! :)

Don Giovanni@Met

2011-10-14T23:34:00.000-07:00

Ontem o Don Giovanni foi assim (segundo o New York Times embora eu não concorde a 100%):

But there is just as much of a chance that a newcomer to opera might be deferential in approaching the complex, much debated and ceaselessly produced masterpieces of the repertory. What else would explain the timidity of the Met’s new production of Mozart’s “Don Giovanni,” a quite traditional staging by the hot, innovative British theater director Michael Grandage in his Met debut, which opened on Thursday night?

The musical performance was excellent. Fabio Luisi, the Met’s recently appointed principal conductor, drew buoyant, nuanced and effortless playing from the orchestra and splendid singing from an impressive cast. He also provided nimble harpsichord accompaniments during the recitatives, which enhanced the organic shape and flow of the performance.

In fairness, it is perhaps premature to assess this production, since Mr. Grandage had to cope with the crisis of losing his Don Giovanni, Mariusz Kwiecien, during Monday’s dress rehearsal. A hearty young Polish baritone and a terrific actor, Mr. Kwiecien, who considers Don Giovanni his calling-card role, was scheduled to sing it for the first time at the Met in this production. During Monday’s dress rehearsal, however, he injured his back and was taken to the hospital for surgery on a herniated disc. (The Met announced on Friday that he would return to the role on Oct. 25, the fourth performance in the run.) On Monday his cover, Dwayne Croft, stepped right in and, from all reports, sang very well.

But the charismatic Swedish baritone Peter Mattei, an acclaimed Don Giovanni who will sing the role in a new production at La Scala in December, happened to be appearing in Rossini’s “Barbiere di Siviglia.” Mr. Mattei is becoming a Met star. So Mr. Gelb lifted him from “Barbiere” and asked him to sing Giovanni. For two days, instead of having time off, the cast attended emergency rehearsals where Mr. Mattei was worked into the concept and blocking. He performed on Thursday without having had a stage rehearsal with the orchestra. And he was superb, singing alternately with suave, seductive phrasing and menacing intensity. At 6-foot-4, he was lordly, cagey, heady with desire and glibly reckless.

Still, during weeks of rehearsals this production had been shaped around another Giovanni. It is impossible to know how much the last-minute casting shuffle affected Mr. Grandage’s intentions.

Though there is a place at the Met, of course, for traditional productions, there is nothing particularly gripping about Mr. Grandage’s work here. The set by Christopher Oram, in his company debut, consists mainly of a large, curved sliding wall with three tiers of balconies and slatted-wood doors. The effect is like that of those old Advent calendars that count down the days to Christmas: various doors open, and characters pop out.

During the “Catalog Aria,” as Leporello, Don Giovanni’s beleaguered servant, reports the astonishing tally of his boss’s conquests, the wall divides, and we see an inner curved wall of balconies, with groups of young women in every alcove: a human panorama of Giovanni’s lovers. It was an amusing and resonant, if not remarkable, touch.

The best use of the three-tiered back wall comes in the graveyard scene late in Act II. In the alcoves are rows of statues of ominous, gray-hooded men, including a huge statue of the Commendatore, the father of Donna Anna, who lost his life in a duel trying to rescue his daughter from Giovanni’s forced advances.

The period costumes, also by Mr. Oram, all in shades of russets, earthy browns and grays, are tasteful though a little dull. On its own terms, the production represents smart, clean, effective work. And by his strategic placement of characters and use of extras, Mr. Grandage helps to clarify this complex story.

But Mr. Gelb has pledged to bring the best in contemporary theatrical achievement to the Met. This does not mean that every production should be updated. Whatever its merits, though, Mr. Grandage’s “Don Giovanni” is not as striking, insightful and vivid as the sexy, modern production that Christopher Alden created for New York City Opera in 2009 (though who knows when or where audiences will see the Alden version again, now that City Opera is nomadic).

Of course, a director’s most important task in a production is helping the singers to develop their characters and become a team. This Mr. Grandage did very well.

The bass-baritone Luca Pisaroni was a dynamic Leporello, singing with a muscular voice, rich colorings and agility. Handsome and full of bluster, this youthful Leporello exuded resentment while bowing to his master’s commands. But for the accident of birth, Mr. Pisaroni’s Leporello would be the nobleman and lady-killer. And there was some intriguing sexual tension in Giovanni’s roughhousing with his servant.

Mr. Grandage breaks no new ground in his presentation of Donna Elvira as a noblewoman unhinged by her lingering desire for Giovanni. She first appears looking uptight in a fine, feathered hat, sneaking a shot of brandy from a flask. The soprano Barbara Frittoli brought welcome dignity to her portrayal, however, through her honest, ardent and soaring singing.

In her Met debut the striking Latvian soprano Marina Rebeka was a winning Donna Anna, singing with a clear, bright sound and cool intensity. As Don Ottavio, Donna Anna’s patient husband-in-waiting, the veteran tenor Ramón Vargas won big ovations from the audience for both of his arias: a mellifluous “Dalla sua pace,” and a neatly executed, elegant “Il mio tesoro.”

The rising German soprano Mojca Erdmann, in her Met debut, was a sweet-voiced and beguiling Zerlina, the country maiden engaged to the stalwart Masetto, here the hearty bass Joshua Bloom in an endearing performance.

In the final scene the strong bass Stefan Kocan as the Commendatore was suitably avenging as the singing statue who comes to bring Giovanni to justice (though Mr. Mattei towered over him). In this production’s one theatrically daring touch, real flames shoot up from the floor around Giovanni’s dinner table as we watch him descend into hell.

Still, that stage trick came too late to alter the impression of a production with no compelling point of view. This “Don Giovanni” almost makes you yearn for those new stagings where the creative team is booed on opening night. Mr. Grandage and his team received respectful applause.

Nabucco

2011-10-12T23:22:00.000-07:00

Acabei de chegar da minha primeira récita na Metropolitan Opera de Nova Iorque onde assisti ao Nabucco com Maria Guleghina e Zelcko Lucic nos papeis principais. Aqui deixo uns videos da produção a que assisti. Amanhã espera-me a estreia da nova produção do Don Giovanni! Estou a dar em louco nesta cidade com tanta ópera e tanta coisa ligada a ela! =) Sei que pareço um individuo completamente deslumbrado com tudo isto, mas a primeira vez é sempre assim! Espero conseguir deixar aqui alguns comentários sobre o que assisti brevemente.

Anna Netrebko

2011-10-12T23:17:00.000-07:00

Estou em Nova Iorque e hoje conheci Anna Netrebko na sessão de autografos do lançamento do seu novo cd! Estava em extase e completamente nervoso quando falei com ela e lhe pedi para tirar uma fotografica comigo. Ela é muito engraçada e bem disposta e fiquei francamente bem impressionado com a sua simpatia.

Ainda nem acredito que estive com ela lado a lado! hehehe

Corte de Verbas

2011-10-12T23:13:00.000-07:00

Acabei de ler uma noticia de que foi aprovada no novo orçamento de estado uma redução de 20% na verba para o Teatro Nacional de São Carlos, para um total de 14,3 milhoes de euros. Parece-me preocupante esta situação, uma vez que, se antes os recursos já eram escassos, agora passou-se a um nivel de mera sobrevivencia. Não se pode fazer nem mais com menos, nem menos com menos. Não se pode é fazer praticamente nada. Dificilmente assim o São Carlos sairá da cepa torta. Torna-se portanto, imperativo, que o São Carlos procure novas formas de financiamento. Já aqui deixei algumas sugestões. Reforço uma: A procura urgente de novos mecenas. Claramente a EDP e o BCP não chegam. Não faço ideia se os seus donativos são significativos ou se não passam apenas de uma cortesia, a verdade é que o São Carlos sofre de um estrangulamento que não deveria acontecer, à semelhança do que se passa por muitas outras casas de espectaculo pelo País.

Ao contrário do que acontece nos paises anglo saxonicos, o nosso teatro não possui uma visão de procura de receita. No Met de Nova Iorque tudo são motivos para se dar dinheiro, e vergonha é coisa que nao lhes falta quando se toca a pedir que os ajudem. O São Carlos deveria fazer o mesmo. Um Marketing mais agressivo, mais estratégico, mais direccionado e com uma forte campanha de apelo quer junto de empresas, quer junto de individuos singulares. Se no resto da Europa e do Mundo associar uma marca a uma casa de ópera é considerado como um elemento de prestigio, o São Carlos deveria conseguir fazer o mesmo por cá. Infelizmente, os ricos em Portugal não possuem uma cultura de donativos para questões culturais mas creio que está na altura disso mudar. Só assim o nosso São Carlos poderá sobreviver e regressar ao seu antigo prestígio.

Tenho uma enorme vontade de fazer alguma coisa pelo São Carlos. Mas sinto-me impotente quando não existe uma cultura aberta de diálogo e cooperação com o publico e os amantes da lirica em geral.

Don Carlo @ TNSC: A minha opinião

2011-10-12T22:50:00.000-07:00

O Don Carlo de Verdi é uma ópera em 5 actos (ou em 4, dependendo da versão) composta por Verdi para a Opera de Paris. Originalmente composta em frances, com direito a tudo o que os franceses gostam, foi depois reduzida do primeiro acto (para mim um verdadeiro atentado!) e traduzida para Italiano.

Já muita tinta e bites correram sobre as récitas de Don Carlo no Teatro Nacional de São Carlos por este país fora. A minha não irá acrescentar nada de novo ao que já aqui, aqui e aqui foi dito, podendo discordar ligeiramente sobre um ou outro aspecto, mas indo ao encontro das mesmas de uma forma geral.

Tudo para se resumir ao seguinte:

- De uma forma global foi um bom espectáculo e um óptimo serão de sábado à noite.

- Elisabete Matos possui uma voz muito bonita, potente e afinada. Adorei ouvi-la na aria Tu che le vanita. No meu entender foi o momento alto da noite. Nunca a tinha ouvido ao vivo e fiquei impressionado, apesar de ter ficado a pensar que se calhar este papel já não é para a sua voz.

- Duas vozes surpreenderam-me pela positiva e das quais gostei bastante: Enrico Iori possui um timbre muito bonito e uma voz profunda. Interpretou um Filipe II muito convicto e acertivo. Pecado da encenação, durante o primeiro acto poderia ter sido bem mais sinistro. No entanto, a sua revelação total foi na sua aria onde Iori conferiu um humanismo tal à personagem ao qual nao consegui passar indiferente e aplaudir entusiasticamente. Tambem me impressionou bastante no dueto com o grande inquisidor. A outra voz de que gostei muito foi a de Dimitri Platanias. Interpretou o Roderigo e conferiu um caracter nobre e viril à personagem. Possui um timbre muito agradável e uma grande projecção. Muito bom!

- Eboli foi interpretada por Enkelejda Shkosa, mezzo que conheci através do registo da Madame Butterfly com a Gheorghiu e Kaufmann. Sinceramente gostei dela, da sua voz, e da sua actuação. Lamentei apenas uma outra estridencia, mas sobretudo a falta de capacidade de aguentar as notas mais agudas. A aria O Don Fatale foi bem cantada, mas se aquela nota final tivesse sido sustentada bem mais tempo, teria levado o publico ao delirio.

- Don Carlo foi interpretado por Giancarlo Monsalve (que entretanto foi substituido por Alfred Kim). A minha primeira impressão foi de que possuia um timbre feio. Era no entanto detentor de uma boa figura e conferiu bastante virilidade à personagem, não deixando margens para discussões sobre o tipo de amizade que possuía com Roderigo (sobre este assunto, podem ver aqui o que uma vez comentei). Começou bem no primeiro acto, mas infelizmente no segundo ficou sem voz por se encontrar indisposto. E, tal como deve ter sido para ele, foi para nós uma tortura até ao fim ouvi-lo cantar. Honra lhe seja feita por ter decidido continuar com o espectáculo, sem o qual nao seria possivel continuar.

- O coro do São Carlos surpreendeu-me pela positiva, tendo sido uma multidão bem convincente e pouco histérica.

- Martim André continua a falar muito enquanto dirige, o que realmente se torna bastante aborrecido. A sua direcção foi mediocre, cumprindo a missão de que as notas todas eram tocadas nos tempos certos.

- Gostei muito do coro de monges.

- Os restantes cantores estiveram bem.

- A produção, ao contrário do que alguns comentaram, era simples, não era dada a grandes devaneios (excepção seja feita ao transportar para os anos 50 a acção da mesma) e cumpriu com o objectivo principal. Eu gostei. Só não gostei mesmo nada de ver os putos a jogar tenis dentro de um convento e de existir por ali uma urna o tempo inteiro. Se ela fosse bonita eu ainda poderia desculpar, mas não era. Mas não apoio aqueles que patearam a produção.

Don Carlo@TNSC

2011-10-08T03:52:00.000-07:00

E Hoje será assim!

Ultima aquisição

2011-10-02T13:36:00.000-07:00

Ainda estou arrepiado com o "non piangiere Liu" do Pavarotti!

Musica nas praças

2011-10-01T04:33:00.000-07:00

Para quem estiver hoje por Lisboa e com duvidas sobre o que fazer com o seu tempo livre:

15h00, Largo de São Carlos
Pequenos Violinos da Metropolitana
Inês Saraiva direção artística
        Vittorio Monti – Czardas
        Edmund Severn – Polish Dance
        Hectore Fiocco – Allegro
        Johannes Brahms – Dança Húngara n.º 1
        Johann Sebastian Bach – Concerto para 2 violinos, 1.º andamento
        Antonio Vivaldi – Concerto em Lá menor
        Antonio Vivaldi – Concerto para 2 violinos, 1.º andamento
        Georg Frideric Handel – Allegro
        Béla Bartók – Maruntel
        Ferdinand Kuchler – Concertino em Ré Maior, 1.º andamento
        Georg Frideric Handel – Bourrée
        Harold Arlen – Over the Rainbow, do filme The Wizard of Oz

15h00, Jardim de Esculturas do MNAC - Museu do Chiado
Piano a Quatro Mãos
Anna Tomasik e Savka Konjikusic
        Sergei Rachmaninov – Seis Peças, Op. 11
        Johannes Brahms – Danças Húngaras n.º11 e 2
        Franz Liszt – Rapsódia Húngara n.º 2 (arr. Lothar Windesperger)

16h00, Ruínas do Carmo
Grupo Coral da Carris
Marco Bruno Santos direção musical
        Anónimo séc. XVII – Na Fonte Está Lianor
        Anónimo sec XVI – Porque Me Não Vês Joana
        D. Pedro de Cristo – Ay Mi Dios
        Anónimo sec. XVII – A La Villa Voy
        A. D’Avalos – Il Bianco E Dolce Cigno
        Claudin de Sermisy – Tant Que Vivrai
        Roland de Lassus – Mon Coeur Se Recommande À Vous
        F. Lopes- Graça – Ó Meu Amorzinho
        F. Lopes -Graça – O Ladrão do Negro Melro
        F. Lopes-Graça – Canções Heróicas (1.º Caderno)
        – Jornada
        – Mãe Pobre
        – Convite
        – Firmeza
        – Ronda
        – Acordai

16h00, Jardim de São Pedro de Alcântara
Banda da Sociedade Filarmónica União e Capricho Olivalense
Cassiano Pereira direção musical
        Joseph Compello – El Palomino Noble (Paso doble)
        Carl Wittrock – Lord Tullamore
        Jacob de Haan – Queen’s Park Melody
        Van MacCoy – African Symphony (arr. Naohiro Iwai)
        Álvaro Reis – Uma Noite em Lisboa (Fantasia Alfacinha)

16h30, Largo de São Carlos
Percussões da Metropolitana
André Camacho, Miguel Filipe e Tomás Moital percussão
Luís Gomes clarinete
Marco Fernandes direção artística
        Nigel Westlake – Moving air
        Bruce Hamilton – Stamino Sosti
        Fredrik Högberg – Plastmusikk
        Joseph Pereira – Facing the Mirror
        Dave Hall – Escape Velocity

16h30, Jardim de Esculturas do MNAC - Museu do Chiado
Out of Nowhere – Jazz Trio
        Thelonious Monk – Blue Monk
        Arthur Schwartz – Alone Together
        Isham Jones – There Is No Greater Love
        Dave Brubeck – In Your Own Sweet Way
        Billy Strayhorn – Take The "A" Train
        Miles Davis – Oleo
        Johnny Green – Body and Soul
        Johnny Green – Out Of Nowhere
        Harry Warren – There Will Never Be Another You
        Irving Berlin – How Deep Is The Ocean
        Benny Golson – Whisper Not
        Jerome Kern – All The Things You Are
        Charlie Parker – Billie's Bounce

17h30, Ruínas do Carmo
Coro Juvenil de Lisboa
Ana Paula Russo soprano
Rui Antunes tenor
Victor Palma guitarra
João Nogueira contrabaixo
Hugo Lopes percussão
Nuno Margarido Lopes piano e direção musical
        Sir Charles Hubert Parry – Jerusalem
        Gioacchino Rossini – Maometto II, "Giusto ciel”
        Gioacchino Rossini – Semiramide, “Bel Raggio Lusinghier”
        Giacomo Puccini – Madama Butterfly
        Giacomo Puccini – Turandot, “Nessun Dorma”
        Giuseppe Verdi – La Traviata, “Coro Di Zingarelle”
        Giuseppe Verdi – Il Trovatore, “Vedi Le Fosche Notturne”
        Radiohead – Creep
        Coldplay – Clocks
        Coldplay – The Scientist
        Tradicional – Espiritual Negro “Climbing Up The Mountain” (arr. Patsy Ford Simms)
        George Gershwin – Porgy and Bess, “Oh, the train is at the station”
        John Kandler – New York! New York!

17h30, Jardim de São Pedro de Alcântara
Banda da Sociedade Recreativa Musical Trafariense
Jorge Camacho direção musical
        John Philip de Sousa – The Liberty Bell
        Arr. Naohrio Iwai – West Side Story
        Morricone – Moment for Morricone
        Harm Evers – Mexican Trumpets
        Kees Vlak – Pássaros do Brasil
        Astor Piazzolla – Oblivion (arr. Lorenzo Pusceddu)
        Vários – Highlights do filme The Mambo Kings (arr. Reinaldo Guerreiro)

18h00, Jardim de Esculturas do MNAC - Museu do Chiado
Quarteto de Clarinetes com Percussão
Joaquim Ribeiro, Nuno Silva, Rui Martins e Luís Gomes clarinete
Luís Cascão percussão
        A. Sedícias - Moróró
        Lino Guerreiro - Dois Temas Populares, ou não...
        Severino Araújo - Um Chorinho em Aldeia
        Canção Popular do Peru - Trujilana (arr. Lino Guerreiro)
        Phillippe Leloup - Danse Orientable
        Claude Thoumain - Notes Vagabondes (arr. Lino Guerreiro)
        Naragonia - Pink Molly (arr. Lino Guerreiro)
        Klezmer (Canção Popular) - Firn di Mekhutonim Aheym (arr. Lino Guerreiro)
        Pixinguinha - Um a Zero (arr. Lino Guerreiro)
        José Santos Rosa - Polka da risota

19h00, Ruínas do Carmo
Coro Sinfónico Lisboa Cantat
Jorge Carvalho Alves direção musical
        Fernando Lopes- Graça – Canções Regionais Portuguesas
        Série I
        1 – Canção da Vindima (Beira Baixa)
        2 – Ó Que Janela Tão Alta (Trás- os- Montes)
        3 – O Milho Da Nossa Terra (Beira Baixa)
        4 – Olha a Laranja (Alentejo)
        5 – Maria Da Conceição (Beira Baixa)
        6 – Lá Em Baixo Vem A Raposa (Serra da Estrela)
        Série II
        7 – Eu Da Macelada (Beira Baixa)
        8 – Na Aldeia de Amareleja (Baixo Alentejo)
        9 – Os Homens Que Vão P’rá Guerra (Douro Litoral)
        10 – Ó Ladrão Que Te Vais Embora (Beiras)
        Série III
        11 – Já Os Passarinhos Cantam (Beira Alta)
        12 – Na Estrada de Braga (Minho)
        Série IV
        13 – São Horas De Emalar As Troixas (Douro Litoral)
        14 – Ó Meu Amorzinho (Minho)
        Série V
        15 – Ó Srª do Amparo (Beira Baixa)
        16 – Sr.ª S.ta Cat’rina (Beira Baixa)
        17 – O Ladrão Do Negro Melro (Alentejo)
        18 – Canta Camarada, Canta (Beira Alta)
        19 – A Moda da Rita (Alentejo)
        Eurico Carrapatoso
        20 – Ó Serpa (Alentejo)
        Vasco Azevedo
        21 – Salvaterra Me Desterra (Beira Baixa)
        22 – Bela Aurora (Açores)
        Fernando Lopes -Graça/José Gomes Ferreira – 2 Canções Heróicas
        23 – Pastoral
        24 – Acordai

19h00, Jardim de São Pedro de Alcântara
Banda de Música dos Empregados da Carris
Carlos Ribeiro direção musical
        Álvaro Reis – Sons de Cá (Marcha de concerto)
        James L. Hosay – Persis, abertura sinfónica
        Richard S. Saucedo – Antares
        Arr. Joan de Mey – Moment for Morricone
        Arr. Peter Kleine – Mama Mia (The Musical)
        José Santos Rosa – Festival em Suite
        Arr. Koos Mark – Alte Swing Kameraden

19h30, Largo de São Carlos
Orquestra de Sopros da Metropolitana
Reinaldo Guerreiro direção musical
        George Gershwin — Abertura Cubana (arr. Mark Rogers)
        George Gershwin — An American in Paris (arr. Mari van Gils)
        Leonard Bernstein — Danças Sinfónicas, de West Side Story (arr. de Paul Lavender)

22h00, Largo de São Carlos
Orquestra Metropolitana de Lisboa
Christian Ludwig direção musical
        Piotr Iliich Tchaikovski — Suite do bailado O Lago dos Cisnes, Op. 20a
        Piotr Iliich Tchaikovski – Suite do bailado O Quebra-Nozes, Op. 71a

Dia mundial da musica

2011-10-01T03:12:00.001-07:00

O Belcanto

2011-09-29T16:35:00.000-07:00

Esta segunda estreou em Nova Iorque a novaprodução do Metropolitan Opera, assinada por David Mcvicar (responsável tambémpela produção do Fausto que iniciou a temporada agora em Londres) da ópera AnnaBolena de Donizetti, com Anna Netrebko no papel principal (e que serátransmitida na Gulbenkian dia 15 de Outubro).

Anna Bolena está para Donizetti como o Nabuccoestá para Verdi ou a Manon Lescault para Puccini, isto é, foi ela que tornou oseu compositor famoso. Ora, como em equipa que ganha não se mexe, Donizetti(tal como Verdi fará mais tarde) repetiu a mesma receita e criou a chamada trilogiadas rainhas (Anna Bolena, Maria Stuarda e Roberto Devereux - Não, este ultimonão é um rei travesti), as quais se tornaram verdadeiros sucessos à data, tendo-lhepermitido caminhar a passos largos para aquela que mais tarde será a suaobra-prima: Lucia di Lammermoor.

No entanto, nos próximos dias terei muito tempopara falar sobre Donizetti, as suas obras, e em especial sobre Anna Bolena. (epergunta-se o caro leitor: “então sobre que raio queres tu escrever?”). Ora,escrevi toda esta introdução para dizer o seguinte: Anna Bolena é uma óperabelcantista, e como muitos caracteres vão ser escritos durante o próximo mês emjornais e blogs sobre ela, vou deixar aqui uma pequena resenha do que é oBelcanto para que o leitor não seja apanhado desprevenido!

Chama-se Belcanto a um estilo de canto ecomposição muito em voga no final do séc. XVIII até metade do séc. XIX aindaque as suas influências se tenham feito sentir até mais tarde (afinal decontas, em musica nada é estanque). Contudo, no inicio do séc. XX, este estiloera já uma coisa completamente obsoleta e fora de moda, dado que nessa época sepreferiam sentimentos mais visivelmente expostos e intensamente vividos (a esseestilo se chama Verismo) e só nos anos 40 a ópera belcantista começa a serdesenterrada do baú de tesourinhos da ópera.

A grande impulsionadora desse movimento derestauro foi Maria Callas, tendo os seus passos sido seguidos por muitasoutras, entre as quais se incluem Caballe, Sutherland e Beverlly Sills, asquais tornaram o belcanto num estilo muito apreciado nas casas de ópera dosdias de hoje.

Ainda que seja mais ou menos fácil perceber queuma ópera é de estilo belcantista, mais difícil é definir com precisão as característicasque uma ópera/cantor deve ter para que tal se verifique. Pessoalmente, entre asvárias características que possam ser apresentadas, as que se mais destacam aosmeus ouvidos são o fraseado gracioso, um tom luminoso nas notas mais altas, umaenorme agilidade, flexibilidade e rapidez vocal e uma grande cadencia esuavidade entre as notas (isto é o que se entende por Legato, ainda que explicadode uma forma muito básica).

É com o Belcanto que se retorna a aquilo que Gluckodiava: exageradas ornamentações que permitiam aos cantores mostrarem todo oseu virtuosismo vocal, isto porque se regressa às árias de coloratura (para seexplicar resumidamente o que isso é, utilizo uma expressão que uma vez ouvi: “demasiadasnotas!”). Daí que para este tipo de papeis, sejam exigidas elevadas capacidadesde agilidade vocal.

Por ultimo, Quanto a referencias deste género, oscompositores que mais se destacam são Rossini, Donizetti e Bellini. As óperasmais conhecidas, e só para mencionar algumas dado que a lista é extensa, sãoAnna Bolena, Maria Stuarda, Lucia de Lammermoor, Norma, I Puritani, Armida e Barbeirode Sevilha.

Ordem de trabalhos

2011-09-29T12:06:00.000-07:00

Os temas dos próximos posts terão a seguinte ordem de trabalhos:

- o que é o belcanto? (será igual a canto belo?)

- quem foi Donizetti?

- Quem é Anna Netrebko?

- A influencia do vicio das gravações nas criticas elaboradas

Anna Bolena @ Met

2011-09-28T15:40:00.000-07:00

Enquanto não podemos ainda ver a transmissão em directo, podemos pelo menos matar a curiosidade com estas fotografias. Estou a contar os dias para que chegue dia 15! Ainda que as criticas não sejam as mais favoráveis.

Fausto em directo de Londres

2011-09-26T11:45:00.000-07:00

Para quem quiser assistir ao Fausto que agora está em palco em Londres, a Lusomundo, transmitirá na próxima quarta, dia 28, em directo da Royal Opera, em diversos cinemas. Toda a informação pode ser acedida aqui. Este país está cada vez mais conquistado pela lirica! e venham mais iniciativas como esta!

@Facebook

2011-09-23T10:52:00.000-07:00

Este blog acabou de abrir uma sucursal do seu estaminé pelo Facebook. Eu, um homem primitivo rendo-me às novas tecnologias. Se o benévolo leitor quiser dar uma olhadela, basta clicar aqui que é automaticamente reencaminhado. Lá poderá ficar a saber quando existe um post novo e também alguns comentários que vou deixando em tempo real (adoro esta expressão) bem como videos e outros conteúdos. A ver vamos no que isto vai dar!

Triptico (Parte I)

2011-09-23T07:16:00.000-07:00

O Triptico de Puccini é uma obra curiosa. Trata-se de um conjunto de 3 pequenas histórias que em nada se encontram ligadas. Uma parece resultante de uma banda desenhada neo-gótica passada em Paris, outra é um drama sacro e a outra é uma comédia/critica de costumes hilariante. Foi estreada no Met de Nova Iorque em 1918.

Este trabalho surgiu em resposta ao estrondoso sucesso da ópera em um acto de Mascagni – Cavalleria Rusticana (estreia da qual marca o nascimento do Verismo como um estilo de ópera italiano do inicio do séc XX = Histórias de Faca e Alguidar). Puccini, homem pragmático, que gostava de vender e viver bem, decide então também fazer óperas de um acto para poder competir nesse mercado em franco crescimento.

A ideia original de Puccini era compor três histórias extraídas da Divina Comédia de Dante, no entanto, ficou-se pelas boas intenções e dessa obra-prima utilizou apenas a história de Gianni Schichi. Quanto às restantes historias, Il Tabarro foi retirada da peça de teatro de Didier Gold - La houppelande – e Suor Angelica foi inventada pelo próprio libretista - Gioachino Forzano.

Por ordem de apresentação definida pelo compositor:

Il Tabarro é uma cena de ciúme em que Michelle, dono do seu barquito e homem ciumento, começa a desconfiar de que a sua mulher o anda a trair com um dos empregados. Quando descobre, mata-os e a história acaba. Uma grande novidade operística, está-se mesmo a ver. O interesse nesta obra reside sobretudo na musica e não no resto. A música é bastante negra e agressiva. Rude e por vezes apenas de ambiente. Puccini cria aqui uma perfeita simbiose entre a melodia e harmonia e aqueles modernismos que ele tanto odiava da música atonal (musica atonal de forma simples e básica é aquela que não nos soa de forma natural ao ouvido e à qual estranhamos quando ouvimos pela primeira vez. Diríamos que não soa bem. Que não nos agrada, que não parece bem nem natural.). Como exemplo dessa fusão temos sobretudo a cena de dança dos empregados, enquanto descansavam do trabalho. O momento alto desta opera, para mim, é a ária de Michelle (Que para mim é espectacular!) e a cena final em que ele os mata. A música é violentíssima! Arrepiante! Podem ver aqui um vídeo desta cena.

Suor Angélica é a ópera mais mal tratada deste Triptico porque quando o mesmo é apresentado apenas parcialmente ou em conjunto com outras óperas, esta nunca ou raramente é escolhida, apesar de ser a favorita de Puccini (e a minha também). Narra a história de uma freira que é conhecida no convento pelas suas medicinas com ervas. A mesma é visitada pela tia que lhe conta que a sua irmã se vai casar e necessita que ela renuncie à sua herança em detrimento da sua irmã. É então que descobrimos que Angelica foi parar ao convento porque tinha tido um filho e que o mesmo morreu há dois anos e nunca lho haviam contado. Louca, droga-se e morre de overdose, não sem antes ganhar consciência do que fez e pedir perdão à virgem. Embora já seja tarde de mais, não morre sem antes ter uma visão do seu próprio filho.

A ópera começa por mostrar cenas da vida diária de um convento, mas cresce em tensão e dramatismo. Angelica é constantemente pressionada a não se deixar levar pelos sentimentos nem a deixar os sentimentos recalcados pelo tempo a despertarem. Até ao momento em que explode e a musica ganha toda uma nova dimensão. Canta então uma ária angustiada, Senza mamma, acabando por se envenenar. É então que grita desesperadamente “Ah son dannata!” e ficamos completamente dilacerados pela sua miséria e arrependimento por não querer morrer em danação (afinal o suicídio é pena capital!). Normalmente esta ópera é diminuída, dada a sua componente religiosa / misteriosa. Mas como podemos criticar uma história só por isso, quando o próprio Fausto também o é? Na minha humilde opinião, este drama parece-me bastante mais humano e comum do que a história de Fausto. Não devem ter sido poucos os casos de mães que se viram obrigadas a tornar freiras para esconder o seu pecado e que deram em loucas com as suas vidas.

Por ultimo, Gianni Schichi. Provavelmente a mais conhecida das três óperas, tudo graças a uma simples mas belíssima ária da soprano “o mio babbino caro” (é babbino e não baMbbino – porque na ópera ela canta para o pai e não para um rapazito), apesar da soprano ter um papel completamente desinteressante em toda a opera e não cantar praticamente mais nada. Ela chega, ela canta, e ela vai embora. Está feito. Ainda assim, esta ópera é uma comédia pegada. Nota-se o gozo que Puccini retirou ao compô-la e parece-me completamente adequada à ideia que tenho dele (ainda que ele não tivesse grande simpatia por ela!). A história narra uma família ansiosa que o velho morra para lhe ficar com o testamento. Quando morre, descobrem que foi tudo deixado para a igreja. Desesperados, tentam dar a volta a questão e contratam um burlão chamado Gianni Schichi para dar a volta à questão. Ele aceita, embora odeie a família, e depois de muitas voltas, no fim, acaba por ficar com parte da fortuna da família!

Esta última ópera foi a que obteve melhor recepção por parte do público, e facilmente se compreende porquê. É tão fácil ficarmos cativados pela mesma, porque achamos bastante graça a todas as tramóias que assistimos em palco, e todas elas nos parecem verdadeiramente verosímeis (passo a redundância)! Gianni Schichi é também ela uma ópera onde se comportam grandes avanços em termos musicais, pois nela Puccini mistura na plenitude alguns traços herdados de Rossini com bastantes dissonâncias, tão em voga à época. Foi uma ópera pela qual, curiosamente, Puccini pouca simpatia nutria, embora mais próximo do final da sua composição, se tenha dedicado a ela com afinco. Um facto interessante é que também foi a última ópera que Puccini compôs desde o inicio até ao fim. Turandot, a ópera que se lhe seguiu, nunca foi por ele terminada, com muita pena minha. Por último, tenho a dizer que Gianni Schichi fecha com chave de ouro todo este Triptico, porque depois de tanto drama, terminamos a rir com esta verdadeira lufada de ar fresco, fazendo-nos abandonar a sala de espectáculo completamente de barriguinha cheia e com aquela sensação de conforto que se tem quando se sai bastante satisfeito de alguma coisa que nos deu imenso prazer!

Sem duvida, um pacote de 3 em 1 a explorar!

Fausto (Parte II)

2011-09-22T08:42:00.000-07:00

Antes de mais, um alerta. Este post foi escrito por um tipo completamente deslumbrado.

No domingo passado o meu coração batia aceleradamente. A cada segundo que passava, aproximava-se o momento de me encontrar com os grandes. Nunca na minha vida tinha assistido a tantos gigantes da lírica em palco ao mesmo tempo. Angela Gheorghiu, Dmitri Hvorostovsky, René Pape e o novo menino Vittorio Grigolo, que impressionou o publico londrino o ano passado como Des Grieux na Manon, ofuscando completamente Anna Netrebko!

A Royal Opera, apesar de por fora ser um edifício modesto e que passa completamente despercebido (comparado com o resto do que se vê em Londres, diga-se), por dentro é um edifício cheio de classe e requinte. Não que o São Carlos não o seja, porque gosto bastante do nosso teatro, lamento no entanto que o mesmo tenha sido votado a tanto esquecimento. Mas, sem querer ser no mínimo ofensivo, ali dentro respira-se uma aura de respeito e de gosto pela lírica que nunca havia experimentado antes. Naturalmente que existe toda uma classe que pretende querer ver e ser vista, mas muitos são aqueles que vibram fortemente. O Publico inglês é, sem sombra de dúvida, bem mais entusiasta que o nosso. Nos lugares onde estive sentado, ouvia por vezes os comentários efusivos de récitas passadas ou do que tinha sido acabado de ouvir. Aplaudia-se e gritava-se fortemente os cantores, vibrava-se com os cenários e com as árias e duetos, enfim, tudo aquilo que vemos nos dvds e nos perguntamos porque não acontece por estas bandas com maior frequência!

Quanto aos cantores:

Angela Gheorghiu foi Marguerite. É um papel frequente desta cantora e ao qual já deve estar tão habituada como à Violetta e à Mimi. E ela foi a razão principal porque fui. Já o ano passado a havia tentado ver na Traviatta, também em Londres, mas tinha cancelado no próprio dia! Desgostoso jurei vingar-me! E desta vez pensei “tu gostas de armar-te em diva e de cancelar récitas a teu bel prazer. Mas nunca vais negar a primeira récita de uma produção em abertura de temporada.” Portanto comprei logo para a primeira récita. E ela não falhou haha!

Ainda que habituada a canta-lo, notei que só após o intervalo se sentia mais a vontade. Não cantou a ária das jóias com muito entusiasmo (achei-a até um pouco alienada) e mesmo o dueto amoroso, foi cantado assim assim. Mas depois a sua voz negra e aveludada revelou-se na cena da tentação na igreja, e no fina,l no trio, foi fantástica. Eu então, do meu lugar vibrava” Não acreditava que a estava a ver! Admito que existem cantoras no activo bem melhores que ela e que geram bem mais simpatia, mas Gheorghiu quando quer, é extraordinária, e a sua voz é belíssima. E vibra. Vibra verdadeiramente com o papel que está a cantar, e eu isso aprecio muito. Pronto, admito e sem vergonha nenhuma, gosto dela!

Fausto foi cantado por Vittorio Grigolo. Este rapaz, durante uns tempos da sua vida dedicado aos palcos da fusão do pop-classico porque precisava de pôr pão na sua mesa como qualquer outra pessoa, subiu finalmente aos palcos da ópera. Espero no entanto que não seja mais uma estrela cadente, porque possui um belo timbre de voz. Todo ele é entusiasmo e excitação. Alguns dizem que até demais. Da minha parte, prefiro a mais do que a apatia. Li algures que Fausto é um homem velho e experiente no corpo de um rapaz novo e como tal não deve ser tão entusiasta. Mas pensando bem no assunto, quem não sabe como se comportam os homens quando se sentem altamente excitados e donos do mundo? E quem não sabe como se comportam quando chega a crise dos 40 (agora já é aos 30) em que se sentem ainda jovens e com medo de serem conotados velhos e tentam compensar a vida que não viveram, abraçando, por vezes, comportamentos ridículos? Fausto será isso tudo. E será também um homem velho que há muito não vai para a cama com ninguém, e muito menos com uma rapariga nova. Será portanto, um puto. E como tal, parece-me adequado ele ser todo entusiasmo. E Grigolo fá-lo lindamente. Canta apaixonadamente e a sua voz ouve-se por todo o lado. Gostei muito de o ouvir.

Mefistofeles foi Rene Pape. Ouvi-o pela primeira vez há um ano na transmissão em directo do Met no papel de Boris Godunov e aí impressionou-me bastante a sua voz e a sua capacidade interpretativa. Estava portanto à espera do mesmo nível de qualidade e não sai defraudado. Rene Pape possui realmente um timbre negro e consegue cantar de forma sinistra e irónica. Gostei muito! Mesmo muito! Quando o comparo a Terfel, é menos brincalhão, mas é mais diabólico.(e ve-lo vestido de mulher…é qualquer coisa de assustador!)

Dmitri Hvorostovsky foi Valentin, irmão de Marguerite. Não sendo um papel muito grande, ainda assim tem as suas árias. Sempre gostei deste barítono russo e nunca vou esquecer o seu Eugene Onegin. Nunca o tinha ouvido ao vivo e a escuridão da sua voz impressionou-me. Há qualquer coisa na escola russa de barítonos e baixos que os distingue dos restantes. Não tem a mesma projecção de Pape mas possui uma robustez que a torna por vezes bastante mais pujante.

O restante foi com um grande nível de qualidade. Coro, orquestra, direcção. Não foi perfeito, mas quando é quase, o resto são preciosismos. E isso só acontece em gravações de estúdio, onde todas as falhas são corrigidas.

Por ultimo a produção. O autor da mesma é o polémico David McVicar, que também vai ser autor da Anna Bolena que vai estrear em Outubro próximo no Met de Nova Iorque. E é um mimo para os olhos. Cheia de ambientes góticos e sinistros, e sempre bem recheados. Podem não concordar muito comigo, mas para mim, Mcvicar é quase uma espécie de Zefirelli dos tempos correntes. Tudo é em grande e reflecte a aura misteriosa que envolve a história. Por vezes consegue ser um pouco Kitsch, à la Zefirelli (aquela cena do acto 2 na praça com o Cristo na Cruz é qualquer coisa de medonho). Gostei que a descida aos infernos fosse a descida a um teatro de ópera, dado que o fundo do palco era o reflexo da Royal Opera o que vai ao encontro do que Fausto pergunta a Mefistofeles onde o está a levar, e este responde-lhe “Levo-te ao meu domínio”.

A cena mais escandalosa de toda esta produção é o bailado. Começa como a coisa mais inocente do mundo e acaba numa verdadeira orgia em palco. O público ficou sem reacção. Eu próprio também. Mas reflectindo a posteriori sobre a mesma, cheguei à conclusão de que fazia sentido. O bailado é escandaloso, porque a situação de Marguerite também o é. Ela mata o próprio filho. Gerado por quem? Por Fausto? Numa relação fora do sagrado voto do matrimónio? Escândalo! Então e como é ela no fim perdoada por Deus? Esta obra é curiosa.

Infelizmente, o Fausto de Gounod é incompleto, porque da obra de Goethe sabemos que Fausto também ele encontra a salvação. Em ópera, creio que apenas no Mefistofeles de Boito isso se torna visível.

Fausto (Parte I)

2011-09-21T03:45:00.000-07:00

Fausto é, muito provavelmente, a seguir à Carmen a segunda ópera francesa mais conhecida de todas. Ou se calhar até não, mas isso também não é muito importante. Foi composta por Gounod e estreou em Paris em 1859.

Como uma verdadeira ópera francesa, Fausto é um festim para os olhos e para os ouvidos. Possui momentos de elevado romantismo e lirismo, momentos fantásticos, cenas de igreja, bailado (não há volta a dar a isto), ascensões ao céu, descidas ao inferno, coros angelicais, coros infernais, trombetas a soar, duetos apaixonados, cenas escandalosas, e por aí fora. Vem tudo dentro do mesmo pacote, tudo envolto pelos compassos adocicados do mestre Francês.

Gounod tinha um bocado a mania, ou pelo menos assim o interpreto da carta que escreveu a Massenet aquando do sucesso deste com a sua obra lírico-sacra “Marie Magdalene” onde congratulava Massenet e lhe revelava que também ele, à semelhança de Gounod, se havia juntado ao pequeno grupo dos iluminados. Curiosamente, com tanta iluminação, de todo o seu rol de trabalhos até nós só chegou o Fausto e o Romeu e Julieta (opera que ele considerava a sua obra prima, contrariando a opinião de muitos).

Pessoalmente, apesar de gostar do Fausto, a musica de Gounod dá-me sempre uma enorme vontade de... dormir. Não sei bem porquê mas talvez seja porque tudo me parece estar envolto numa aura de suavidade e doçura, como se estivesse a flutuar num mar de nuvens. (O que não me custou ver em dvd o Romeu e Julieta da primeira vez!). E como as salas de opera são por norma muito confortáveis e quentinhas, facilmente o olho pode fechar. Nunca nada é muito agressivo, nem duro, nem violento. Mesmo as cenas de confronto, ainda que possuindo um ritmo mais acelerado, nunca são intensas durante muito tempo. Gounod, para mim, ganha essencialmente pontos, apenas nas cenas para coros e nas árias. Como exemplo tomo o coro de abertura do Romeu e Julieta ou da cena de morte de Tibalto, ou as ária de Sapho ou da La Reine de Sabah. Mas mesmo assim, nunca se fica muito arrepiado com nada, que é uma coisa que me acontece quando gosto bastante do que estou a ouvir. Curiosamente, apesar de quando comparado com muitos dos seus contemporâneos ser bastante mais limitado, influenciou de forma incrível os compositores que lhe seguiram.

Quanto a Fausto, que é disso que aqui estamos a falar, a musa da inspiração estava do lado de Gounod, em especial nas cenas macabras. Gosto muito da cena em que Mefistofeles canta com o povo no acto II e quando este desconfiando de quem será Mefistofeles lhe erguem a cruz qual amuleto. Do dueto amoroso no final do terceiro acto. Gosto também muito da cena de oração de Marguerite na Igreja enquanto a mesma é tentada por Mefistofeles a desistir e gosto muito do trio final. Mas de forma geral, tudo me soa muito igual. E, peço desculpa mas tenho de confessar... a ária das jóias aborrece-me de morte!

Ainda pensei em deixar aqui um resumo desta ópera mas como o mesmo pode ser lido aqui, preferi apenas deixar um comentário sobre a minha apreciação geral desta ópera. O próximo post será dedicado à récita que assisti este fim-de-semana passado, que tenho a dizer, foi mesmo boa!

Quanto a gravações, sugiro em dvd, uma produção de 2004 da Royal Opera House com Terfel, Gheorghiu e Alagna ( a mesma produção a que assisti este fim de semana e é um regalo para a vista) e em cd uma gravação com Ramey, Jerry Hadley e Cecilia Gasdia nos papeis titulares.

Isto hoje foi assim

2011-09-17T19:42:00.000-07:00

Um insipido Il Tabarro

Uma maravilhosa e inspiradora Suor Angelica

Um delicioso Gianni Schichi

TNSC: Concerto de Abertura

2011-09-11T12:11:00.001-07:00

Ontem, sábado dia 10 de Setembro, teve lugar o concerto de abertura datemporada 2011-2012 do Teatro Nacional de São Carlos. Comparativamente com oconcerto de há precisamente um ano atrás, verifiquei uma ligeira reconciliaçãodo público com esta casa, embora, ainda, infelizmente, não se sinta um claroregressar ao passado. Afinal de contas, as feridas recentes ainda se encontrama sarar e Martin André tem muito que provar, e tudo vai ser a prova nestatemporada.

O concerto de ontem contou com a prata da casa. A inglesa foi mandada paraa rua, porque é importante conter custos e ficou Martin no comando daorquestra. Os solistas, tudo produção nacional. O programa, dedicado aos austríacos(e não aos alemães, como cheguei a conclusão numa discussão com um alemão e um austríacono intervalo). Strauss (O Richard), Liszt e Bruckner, Also Sprach zarathustra,A Valsa de Mefistofeles e o Te Deum, respectivamente.

A obra de Strauss deu inicio à noite. Identifiquei algumas entradas a medoe atrasadas dos metais, e uma ou outra desafinação. Mas mais grave que isso foia falha redonda nos pianíssimos finais desta obra. Soaram estridentes edesafinados, nada suaves. O que é uma pena porque só assim faz sentido o fimque Strauss lhe colocou. No entanto, a apontar a Martin tenho uma coisa que jácomentei diversas vezes: cala-te homem! É que ele fala, e ouve-se, mesmo dofundo da sala, e num dos momentos de silêncio, lá se ouve o senhor a rir!

A valsa de Mefistofeles de Liszt é uma obra um pouco desinteressante, comalguns casos pontuais de lirismo cativante. Foi bem interpretado.

A obra final era o tão esperado Te Deum de Bruckner. Este famigeradocompositor, tão injustamente maltratado na sua época, compôs uma obra notável,intensa e grandiosa. O coro detêm o papel principal, sendo por vezes intercaladopor solistas, sem que, à excepção do tenor, estes possuam momentos inteiramentea eles dedicados.

O nosso coro do São Carlos portou-se à altura. Um outro momento dehisteria, mas como toda a obra é intensa e acelerada e não se preza por grandespianíssimos, registo em que o nosso coro é mais fraco, este portou-se bem.

A orquestra também, tirando alguns casos pontuais, se portou bem. Gosteisobretudo do solo da harpa na valsa de Mefistófeles.

Só não consegui compreender porque o som estava a ser ampliado. De factoaté consigo. O som da orquestra saiu muito mais coeso, consistente, e nada disperso.Mas infelizmente acho que isso era suposto de acontecer, sem recurso a qualquertecnologia. Se calhar, estou mesmo redondamente enganado.

O concerto tem nota positiva. Eu gosto destes serões. E gosto que existamconcertos ao sábado a noite. Também deveria haver récitas de ópera. Porque nemtodos podem ir durante a semana, e sair a tempo do emprego para lá estar as20h.

O São Carlos tem muito a recuperar e não se pode deixar mãos a medir.Aguardo com impaciência pelo Don Carlo que se avizinha já em Outubro.

Para o serão de Hoje

2011-09-04T04:48:00.000-07:00

Vou dar inicio a uma incursão pelas rainhas de Donizetti, a começar com esta gravação da Maria Stuarda.

Sugestões ao São Carlos

2011-08-21T16:14:00.000-07:00

Os tempos são de crise. A troika anda nas ruas, corta-se tudo e mais alguma coisa, contam-se os tostões até ao fim. Na cultura, infelizmente, isso já é o costume, e não mudou grande coisa. Habituados a fazer “mais com menos” o nosso querido Teatro Nacional de São Carlos tem-se aguentado e feito o que pôde para se manter de pé. Ou talvez não?

Admito que realmente o tempo não seja para grandes voos ou investimentos, mas algumas coisas da lista que abaixo apresento não necessitam de grandes fluxos monetários, apenas uma enorme boa vontade. Assim sendo, aqui deixou algumas sugestões de coisas que seriam boas ideias, pelo menos no meu entender, para a gestão do São Carlos por em prática, com o intuito de aumentar as suas magras receitas.

- Visitas guiadas pelo teatro: à semelhança do que se faz pelas restantes casas de ópera, o São Carlos pode começar a organizar visitas pelas suas instalações, contando a história ou apresentando curiosidades sobre o funcionamento de um teatro. É simples, é barato, e dá uns trocos.O São Carlos não é uma casa recente, sem história. Pelo contrário, possui um legado que deve ser fortemente explorado e apresentado ao mundo.

- Organizar exposições: A Exposição “Maria Callas em Lisboa” creio que foi um sucesso, mas existem muitas outras que poderiam ser feitas. Por exemplo, o São Carlos possui um conjunto alargado de cenários de ópera utilizados, bem como de utensílios, roupas, etc. Se apresentados ao publico como exposição, mais uns trocos se poderiam ganhar. Alem disso, nos arquivos do São Carlos julgo, segundo li, que existem diversas partituras, etc, as quais poderiam também constituir obra para apresentar em exposição, ou quem sabe digitalizar e ficar disponível on-line.

- Fazer uma transformação total e profunda ao Web-site tornando-o mais interactivo, dinâmico e apelativo.

- Comercializar registos: é do conhecimento de muitos a lendária gravação da Callas em Lisboa. Uma é comercializada pela EMI mas existe uma outra da RDA com melhor qualidade de som que não tem distribuição comercial. Senhores! É pegar nisso e vender. Também existe um registo vídeo da Callas na Traviata. Este registo é o único registo em video no mundo inteiro da Callas a cantar este papel! Será que a ópera foi gravada na totalidade? Se sim, porquê hesitar? Mas não nos fiquemos apenas pelos registos da Callas. Quantos mais cantores, grandes cantores, não pisaram os nossos palcos? E ninguém os gravou? Assim, só assim de repente, lembro-me de todo um ciclo do anel bastante recente, que pode ser interessante comercializar. Também me lembro de ver no youtube uma La Boheme bastante recomendável. E como estes registos, acredito sinceramente que existam muitos outros.

- A Antena 2 é a responsável pelas transmissões em directo do São Carlos. E se estas fossem também patrocinadas por alguma empresa, à semelhança do que acontece na Metropolitan Opera? Infelizmente, na Europa, e sobretudo em Portugal, o mecenato não tem um papel tão activo como do outro lado do oceano. Talvez uma maior aproximação com empresas que não sejam do Estado (A EDP para todos os efeitos ainda é estado) poderia trazer grandes vantagens.

- Por último, talvez o mais dispendioso, mas também bastante interessante será, em colaboração com alguma discográfica nacional, ou com a Gulbenkian, a gravação de registos áudio de óperas menos conhecidas, principalmente de compositores portugueses. Acredito que muitos seriam aqueles que, mesmo além fronteiras, estariam interessados em adquirir óperas de Alfred Keil. Possivelmente, Elisabete Matos não se importaria de participar, bem como outros cantores portugueses que mereçam a nossa atenção.

Em jeito de conclusão, creio que possuímos os recursos, falta-nos a visão. Poderiamos fazer muito mais do que tudo aquilo que se tem feito. Aproximar o são Carlos do publico, utilizar a RTP para promover maior divulgação, enfim! Tenho serias duvidas que alguma vez este meu post possa influenciar alguém que tenha poder de decisão, mas nunca se sabe! A esperança, é a ultima a morrer!

Daniel Barenboim para Nobel da Paz

2011-08-19T09:22:00.000-07:00

Foi esta semana proposto para Nobel da Paz Daniel Barenboim, como resultado do seu trabalho para a cooperação entre os povos e o aproximar dos mesmos, nomeadamente através de uma orquestra cujos membros são uma mistura de israelitas com palestinianos.

Fico muito satisfeito com esta proposta, a qual possui o meu total apoio. Uma vez mais se prova que a música pode ser um elemento de coesão e aproximação entre os povos.Barreiras podem ser quebradas, guerras podem cessar, e a opressão pode ser destruida (relembro uma vez mais a revolução cantada nos paises balticos pela sua independencia contra a ex-URSS).

a minnha próxima temporada!

2011-08-18T12:54:00.000-07:00

Até parece mentira e nao consigo caber em mim de contentamento. Quis o destino que no próximo mês eu tivesse a oportunidade de assistir a uma verdadeira orgia operática, sendo todas, à excepção de Don Giovanni, a primeira vez que as verei ao vivo. Assim sendo, aqui partilho o que irei ver no curto prazo:

- Il Tritico - Royal Opera House a 17 de Setembro com Antonio Pappano.

- Fausto - Royal Opera House a 18 de Setembro com Angela Gheorghiu, Rene Pape, Vittorio Grigolo, Dmitri Hvorostovsky e Antonio Pappano.

- Don Carlo a 8 de outubro com Elisabete Matos no Teatro Nacional de São Carlos

- Nabucco na Metropolitan Opera de New York com Zelcko Lucic e Maria Guleghina a 12 de Outubro

- Don Giovanni na Metropolitan Opera com Barbara Fritoli, Ramon Vargas e Mariusz Kwiecien

e por ultimo....tan...tan...tan

- ANA BOLENA a 15 de Outubro com Ana Netrebko ! No mesmo dia em que será transmitido em directo de lá! Amigos, se me virem, não se surpreendam! hehehe

Met Live: Nova Temporada

2011-08-14T10:45:00.001-07:00

Massenet

2011-08-13T15:33:00.000-07:00

Como hoje se celebra o aniversário de Massenet, e como este compositor me é muito querido, aqui deixo o que Debussy uma vez disse sobre ele:

"I hear in it the voluptuous passion which characterises and make us adore his music with an almost forbidden love."

Top 3: Verdi

2011-08-12T06:11:00.000-07:00

Estava aqui a pensar para comigo " se tivesse de definir um top 3 das óperas de Verdi, quais seriam?" Eis então o meu top 3. Sintam-se à vontade para criticar e por favor, deixem aquele que também seria o vosso top:

Macbeth
Rigoletto
Don Carlo

Iphigenie en Champagne

2011-08-12T03:39:00.000-07:00

Devido à crescente competição entre Gluck e Piccini (Sim, com i, não é Puccini mal escrito), a certa altura um empresário chamado De Visnes propôs aos dois que musicassem uma mesma obra: Iphigenie en Tauride, baseada na tragédia de Claude Gguymond de la Touche (1757). Aceitaram os dois.

Algum tempo depois, ao voltar a Paris em Setembro de 1778, após uma viagem a Paris, Gluck trazia já na bagagem a partitura pronta da nova ópera, e usou de todo o seu prestigio junto da corte para conseguir que as duas estreias não fossem simultâneas (estava com medo, o menino!). Quando subiu a cena a 18 de Maio de 1779, foi um triunfo.

Piccini, no entanto, não se deixou intimidar e insistiu em levar a sua obra a cena. Por melhor que fossem algumas das suas páginas isoladas, ela era muito inferior à ópera de Gluck e foi seriamente prejudicada pelo facto de a soprano que fazia o papel titulo ter subido ao palco bêbada! Ao que os parisienses não perdoaram e a ópera passou a ser conhecida como Iphigenie en Champagne!

Le Jongleur de Notre Dame

2011-08-11T05:16:00.000-07:00

Le jongleur de Notre Dame é uma ópera de Jules Massenet, estreada em Monte Carlo em 1902, baseada numa história de Anatole France (um dos primeiros Nóbel da Literatura) e autor de outro romance também adaptado à opera por Massenet: Thais.

Esta ópera surge como uma reacção de Massenet às muitas criticas ( Massenet deixava-se influenciar bastante por elas) de que as suas óperas eram constantemente muito sentimentais e focadas em mulheres, entre muitas outras criticas como algumas tendências para a mariquisse. Para acabar com isso, decidiu reinventar-se a si próprio e compor uma obra apenas cantada por homens (à semelhança do que Puccini fará com Suor Angelica, esta apenas cantada por mulheres). As únicas vozes femininas surgem ou no coro, ou no final da obra, aquando da cena da aparição.

Le Jongleur narra um milagre medieval ocorrido no séc. XIII, uma história muito tonta, mas naquela altura todas as lendas o eram. Jean é um malabarista que tenta ganhar a vida na praça de Cluny, sempre a mendigar algumas moedas. Tenta em vão e começa a cantar para alegrar a multidão canções profanas. É então cantado um alegre Aleluia do Vinho, até que surge o Pior da Abadia de Cluny e manda a multidão embora e convida Jean a arrepender-se e a vir com ele. Jean, relutante, defende que pretende viver em liberdade, mas o Prior convence-o que a sua amante liberdade não tem sido muito bondosa para ele e que ali na abadia ele vai encontrar muitas coisas para o alegrar (apontando para um frade que entra com cestos cheios de comida). Jean acaba por ceder e entra no mosteiro.

O segundo acto decorre dentro do mosteiro. Todos estão a preparar algo para dedicar à virgem. Assistimos ao ensaio do coro, com um monge a corrigir os diferentes membros e Jean a assistir, desconsolado por não saber cantar. Surge o monge escultor e gaba-lhe a sua arte mas Jean também não sabe esculpir. Surge o monge pintor com a sua pintura da virgem, o monge poeta e o monge musica e envolvem-se todos numa grande confusão. Chega o Prior e acaba com o desacato e vão todos embora. Jean vai então para junto de Boniface, o monge cozinheiro e confessa-lhe a sua tristeza por não saber fazer nada, comparado com os restantes monges. Boniface, comenta que aqueles monges são vaidosos e por isso não entraram no reino dos céus. E explica-lhe que a importância está na honestidade e no coração humilde. Jean comenta que não sabe falar latim. Boniface replica que ele também não cozinha em latim, e que a virgem percebe perfeitamente francês! Jean, então ajoelha-se aos pés da virgem e ora-lhe cheio de fervor.

No terceiro acto assistimos às oferendas dos diversos monges à virgem. Quando todos abandonam, chega Jean cheio de timidez junto do altar, carregando as suas coisas de malabarista. O monge pintor assiste escondido e quando vê Jean despir o habito e mostrar a roupa de malabarista, corre a chamar o Prior. Jean começa então a fazer o seu espectáculo de malabarismo em frente da virgem. Quando por vezes diz algumas coisas menos próprias desculpa-se com “ peço desculpa, é do hábito” num dialogo constante com a virgem. Surge o Prior acompanhado de vários monges e de Boniface, estando sempre este ultimo a pedir calma aos restantes. Jean sem saber que está a ser observado continua. Até que por fim o Prior não aguenta mais e avança. Boniface alerta para a pintura da virgem estar a mover-se e ficam todos maravilhados. O Prior aproxima-se de Jean e ajoelha-se, pedindo-lhe perdão e reconhecendo-lhe a santidade. Jean não percebe e o Prior entende que só os monges viram o milagre. Pede então à virgem que se mostre a Jean. A virgem começa então a sair da tela. Ouvem-se coros angelicais e Jean é elevado aos céus.

Naturalmente que todo este milagre não fica entre as nossas histórias de ópera preferidas, dado que não possui duetos ou árias marcantes. É como se fosse tudo muito natural em palco. E nós sabemos que adoramos um bom drama e uma boa música dramática e acesa!

Esta história é pelo menos refrescante, ainda que nos nossos dias pareça algo descabida. E possui alguns momentos de bastante ternura e humanidade, como o dialogo entre jean e Boniface. Mas perguntamo-nos, como pôde Massenet julgar que esta seria a sua obra-prima? Sem dúvida que será o seu Werther a ocupar esse patamar.

Curiosamente esta ópera possuiu grande sucesso durante o inicio do séc. XX com Mary Garden no papel titular, para escândalo do próprio Massenet, que queria um tenor para o papel. (Queria só homens e põe-lhe uma mulher! Francamente!) Infelizmente, tal como com muitas operas, acabou por cair no esquecimento.

Existem duas gravações: uma mais recente com Roberto Alagna no papel titular e altamente recomendável e outra com Alain Vanzo, também muito boa.

Não será certamente uma ópera a ouvir amiude, mas não deixa de ser uma boa experiência.

A minha próxima audição

2011-08-09T15:56:00.000-07:00

"j'ecris une piéce , une légende, un conte en musique, appelez-le comme vous voundrez, ou il n'y a pas un seul rôle de femme! pas un, entendez-vous, pas le plys petit rôle de femme... j'approche de la fin, et depuis quelques hours, je sens, je sais à coup sûr que le jongleur de notre dame sera mon chef-d'oeuvre"

- Jules Massenet

"

Il Templario

2011-08-08T04:24:00.000-07:00

Il Templario é uma ópera de estilo bem italiano, composta pelo alemão Otto Nicolai, estreada em Turim em 1840. Nicolai é principalmente conhecido pela ópera cómica Die Lustigen Weiber von Windsor, apesar de eu, na minha santa ignorância, desconhecer tal obra até me ter confrontado com este il Templario.

Esta ópera é mais um caso de notável injustiça dado que estamos perante uma obra de elevada qualidade e que apenas entrou no esquecimento porque a certa altura, a moda era ignorar o bel canto em detrimento de coisas mais pesadas e elaboradas. O que aconteceu a esta ópera é nada mais do que uma repetição do que aconteceu a outras do seu tempo, como as obras de Spontini, de Mayr ou de Mercadante, entre outros, alvos também eles de ostracismo injustificado. Curioso como existe todo um período da ópera italiana (entre Rossini e Donizetti) que aparece quase que envolvida num manto de nevoeiro.

Ora, deixando-me de reflexões poéticas, serve este post para realçar as qualidades musicais desta ópera. Como disse anteriormente, apesar da origem germânica do compositor, este depressa mandou à fava todo o snobismo alemão sobre a forma como a música deveria ser composta e deixou-se contagiar pelos compassos quentes e apaixonantes que eram escritos no sul da Europa. Surge então Il Templario, ópera baseada no romance de Walter Scott – Ivanhoe – que narra a história de um cavaleiro desconhecido que chega da terra santa e que faz frente aos francos, que à data da queda de Ricardo Coração de Leão pretendiam usurpar o poder em Inglaterra. Assistimos ao drama de Rebecca, uma belíssima judia que para sua desgraça cai nas boas graças de Brian, um nobre cavaleiro que através de artimanhas tais, acaba por rapta-la. Acontecem diversos acontecimentos extra no livro, desde ao aparecimento de Robin dos Bosques e do seu amigo frade, a todo um assalto ao castelo. No entanto, nesta obra de Nicolai, o libretto foi resumido apenas ao drama vivido entre Wilfred Ivanhoe e o seu pai, que o considera morto, e Rebecca, a desgraçada raptada por Brian.

Ora, ao tomar conhecimento do sucedido, a ordem dos templários surge, para indagar porque Brian raptou uma judia. Surge então Isaac, seu pai, a contar o sucedido. Chega-se então à conclusão de que a mãe de Rebecca era Miriam, uma mulher por eles considerada bruxa e que, Rebecca, por influencia da mãe havia era enfeitiçado Brian. A pobre é então condenada à morte de fogueira, não sem antes reclamar por justiça divina e alguém que lute por ela contra Brian. É então que surge então o nobre cavaleiro Wilfred para a defender, saindo vencedor. Rebecca, comovida, confessa-lhe o seu amor, mas Wilfred, e passo a citar dada a secura com que reage, responde “Ah! Se tu mámi….tacilo…Non me lo dir piu mai” que é o mesmo que dizer “Ah!se me amas, fica com isso para ti e não me tornes a chatear”. Claro que Wilfred responde assim porque vai casar com uma anglo-saxonica, alta e loura chamada Rowena. Rebecca, não aguenta de dor, e cai morta no chão, como é apanágio nestes dramas do romantismo do sec. XIX (incrível como pessoas com tanta saúde do nada caem mortas no chão!).

Em Il Templario, em termos musicais também já assistimos aquilo que parece ser os prenúncios do Leitmotiv. Assim do nada e sem me concentrar muito no assunto, consegui identificar um tema marcial associado a Brian e outro para os cavaleiros templários. Certamente existirão outros. E só por aqui conseguimos perceber que estamos perante uma obra sólida musicalmente. Existem diversas árias, entre as quais destaco a última de Rebecca, uma pequenina ária cantada enquanto os cavaleiros lutam por ela, a qual é cantada com um enorme pesar e melancolia, sendo então acompanhada por um coro em singela harmonia. Toda a obra é cheia de coros e de música intensa. Enfim, um festival!

Curiosamente, época em que foi estreada, gozou um incrível sucesso por toda a Europa, tendo, como disse anteriormente, caído no esquecimento (ainda que algumas das suas árias tenham sido registadas em gravações do inicio do sec. XX, em compilações das árias mais belas de ópera). E caiu em tal esquecimento que as partituras desta opera se perderam, tendo sido descobertas três cópias em 2006. Uma delas em Nápoles, sob outro título devido à censura da época, outra em Paris e a terceira foi encontrada no arquivo do Teatro Nacional de São Carlos. (Pergunto-me que outros tesouros andarão perdidos naqueles arquivos!).

Enfim, creio que é uma obra a não perder e que gostava muito de ver levada a palco.

Terá Tosca realmente morrido?

2011-08-06T06:51:00.000-07:00

A grande maioria dos que aqui passam conhecem a trágica história de Tosca. A Actriz que se apaixona por um revolucionário que pretende ver Itália livre do jugo dos tiranos que a oprimem. É torturado e condenado à morte mas Tosca através de alguns esquemas consegue negociar a sua vida, através de uma simulação de fuzilamento. Acontece que a coisa corre para o torto e ele é mesmo morto. Sem mais nem menos, vendo-se entre a espada e a parede, Tosca decide atirar-se do alto da fortaleza.

Ora, uma foto que recentemente vi e uma duvida lançada neste blog faz-me colocar a seguinte questão: terá Tosca realmente morrido? ou fez-se apenas de morta e depois fugiu pela janela? hehehe

Claro que isto não interessa para ninguém, mas serve sempre para se brincar em torno do assunto. De tosca, Tosca, talvez não tivesse nada :)

Attila

2011-08-06T06:39:00.000-07:00

Agora que entrei finalmente de férias estou a tentar por todas as coisas em dia. Todas as gravações que queria ver, que queria ouvir, todos os livros que queria ler e tudo sobre o qual gostava de escrever. Parece-me quase hercúlea toda esta empresa auto-imposta mas creio que irei ser bem sucedido.

Começo por falar da gravação a que acabei de assistir. Attila, de Verdi, gravado no Teatro Scalla, há muito tempo atrás, com Samuel Ramey no papel titular e Zancanaro e Cheril Studer nos restantes papéis principais.

Sobre os interpretes muito pouco há a acrescentar ao que já conhecido sobre os mesmos. Todos de alto nível, todos eles cantaram bem. No entanto nunca é demais realçar a voz de Ramey. Este homem possui um grandioso talento. Todos os papeis que pega, fá-los bem. Não apenas canta bem, mas interpreta-os com garra. E é disso que a malta gosta! Que se cante com paixão. Ora, é com paixão que esta ópera de Verdi deve ser cantada, com muito daquele fogo italiano nas veias, ou então tudo se resumirá a um grande fiasco. É que esta ópera é, de facto, a meu ver, desinteressante. Tem os seus momentos altos, as suas árias, o seu belíssimo prelúdio, mas bem espremido, trata-se de muita parra para pouca uva.

É um facto de que em ópera nunca se podem esperar histórias altamente elaboradas ou que façam grande sentido, e relativamente a este Attila devemos ainda ter em atenção que se trata de uma opera italiana (que em oposição ao estilo francês prima antes de mais pela musica do que pela palavra e pelo texto) e de que se trata de uma ópera da juventude de Verdi (quando ele queria sobretudo impressionar a audiência com a sua magnitude musical - Sim, Verdi , em linguagem actual, fazia blockbusters).

Ora tendo em conta todos estes aspectos, podemos ainda assim concluir que Attila não é das suas melhores obras da sua juventude.(deixo aqui um link para quem quiser ler um resumo do libretto) Quando comparado a um Nabucco, sem duvida alguma uma obra superior e apaixonante, a um I Lombardi, uma obra muito bem conseguida (mesmo antes das revisões a que foi submetida) ou até a um I Due Foscari, onde um libretto simples foi bem explorado e enriquecido com algumas melodias repletas de beleza (Ah aquele solo para clarinete!), percebemos que em Attila se assiste a um repetir de fórmulas já utilizadas. Uma ópera para encher o pacote. Não possui árias notáveis, excepções sejam feitas à ária para o papel titular “Or son liberi miei sensi” a qual possui aquele carácter quase patriótico e arrebatador que Verdi compõe como ninguém e à ária para soprano “Santo di Patria” que é engraçadinha, mas que não vai para a playlist do meu leitor de mp3.

Enfim, não consigo deixar de pensar na incrível evolução que Verdi viveu de Attila para Macbeth (a ópera composta logo a seguir e provavelmente a minha ópera preferida do compositor).

Resumidamente, uma obra que se assiste bem mas que não conquista corações. Ainda assim, acho que nunca se deve deixar de lhe dedicar atenção. Afinal, Verdi é sempre Verdi. =)

Noé

2011-08-02T10:44:00.000-07:00

Noe foi a última ópera de Halevy (compositor da ópera La Juive), um grande compositor francês do seu tempo, que entretanto caiu num injusto total esquecimento. Infelizmente morreu antes de a terminar, tendo ficado o seu genro, o famosíssimo Bizet (compositor da ópera Carmen) responsável pela sua conclusão. Como ninguém pegava na ópera, esta só veio a ser estreada em 1885, dez anos após a morte de Bizet e algures num teatro na Alemanha (KarlsRuhe para ser mais preciso).

Não terá sido por acaso que a mesma foi tanto tempo adiada e não teve grande sucesso. Em primeira instancia porque a mesma pouco ou nada se foca em….Noé. Foca-se sobretudo num dos seus filhos e na esposa da mesma. Segundo porque a mesma foca-se na devassidão dos costumes que degenerou no grande cataclismo bíblico, e não propriamente na arca e na destruição do mundo, e nos animaizinhos todos a entrarem a bordo. E por ultimo, porque se concentra num romance altamente improvável onde um anjo, completamente apaixonado pela humana, se revolta contra o criador, e se torna humano.

A opera começa no acampamento onde Noe se reúne com a sua família, onde falam das coisas da vida, do seu Deus, de como ele é grande e fez grandes coisas pelo seu povo. No entanto, estão todos presentes menos um dos filhos de Noé. Quando este finalmente surge, percebemos que se encontra alterado. Completamente revoltado e envergonhado com tudo e por fim admite que pretende divorciar-se da sua mulher. Cai o Carmo e a trindade, e o céu fica escuro. Ninguém quer acreditar no que se está a passar. A mulher acaba por abandonar a família e o filho foge, também ele envergonhado pelo que fez.

O segundo acto começa no meio de um oásis. A mulher encontra-se a dormir e um anjo vela o seu sonho. Canta uma ária mais ou menos bonita e , num monologo perturbador, revolta-se contra Deus e torna-se humano. A mulher acorda com todo aquele chinfrim, e assustada tenta fugir daquele homem que está loucamente apaixonado por ela. Cantam-se uns duetos e ela acaba por ceder. E vão dali para fora os dois.

De seguida surge uma das filhas de Noé, em busca da cunhada perdida e acaba por ser raptada por um bando de malfeitores, encabeçados, vejam só pelo filho desviado.

Acontece mais uma série de tramóias, e acabamos todos por ir parar à cidade do pecado. Uma cidade recentemente construída onde o rei é o anjo caído e a rainha a mulher por ele possuída. Esta ao ver a antiga cunhada, confeça-lhe o estar completamente desolada com a sua vida e que deseja fugir daquele antro.

Um parêntesis nesta cena. É curioso o quanto se canta em torno de um liquido. Basicamente existe todo um hino às drogas. Todos desejam embriagar-se naquele liquido que lhes provoca visões e sensações de êxtase. Assiste-se também a um baile dedicado à sensualidade e à deprevação. Uma verdadeira orgia em palco!

Continuando: as duas prisioneiras desesperam por querer fugir, e convencem o filho degenerado a arrepender-se e a voltar para casa do pai. São bem sucedidas. Surge então Noé com um mandamento de Deus. O mundo está de tal forma corrompido pelo pecado que terá de ser destruído. Que todos se arrependam! Surgem então as trevas, e um momento musical simbolizando a destruição do mundo através de uma grande inundação. Por fim, em tom solene, surge a família de Noe e o patriarca, cantando sobre a salvação que Deus lhes deu.

Não existem propriamente árias notáveis nem duetos excelentes, o que é de admirar, dada a perícia dos dois compositores que pegaram na obra.

A produção a que assisti era satisfatória. Os cenários eram bem conseguidos (excepção feita à cena do bacanal), o corpo de baile dançou uma coreografia muito bem adaptada à realidade, e a nível musical, embora não tenha havido nunca uma voz que saísse do banal (tirando a do anjo), o resto pecou pela mediocridade.

Infelizmente, uma opera que não recomendo. Apesar de valer sempre a pena pela curiosidade de se estar a ver uma coisa rara.

Deixo aqui o único excerto que consegui encontrar no youtube.